León Ferrari protagoniza uma das três mostras na Pina Luz

Exposições começam neste sábado (26)

Obra de Leon Ferrari na série 'Nunca Mais'

Após o golpe militar na Argentina, León Ferrari começou a recortar reportagens entre os anos 1960 e 1970 em jornais que denunciavam o surgimento de corpos de pessoas tidas como desaparecidas em diferentes regiões do país.

Os pedaços dos periódicos foram reunidos em uma espécie de livro e formam a série ‘Nós Não Sabíamos’, do artista morto em 2013, que protagoniza uma das três exposições no segundo andar da Pina_Luz que começa neste sábado (26).

A mostra dedicada a Ferrari acontece numa sala do museu e a série ‘Nunca Más’ completa o espaço. Ali, está um conjunto de capas feitas pelo argentino do jornal Página 12, que anexava listas com nomes de pessoas desaparecidas durante os anos da ditadura.

Outra mostra que também abre no sábado é a individual do artista catalão Adrià Julià, que leva a duas salas do museu, além do pátio, obras em diferentes suportes por meio de instalações, cinema, vídeo, fotografia e publicações.

O espanhol acredita que atualmente há uma certa obsessão pela precisão da imagem, a documentação e a cópia perfeita, tópicos refletidos em suas obras.

Uma reunião de gravuras de artistas brasileiros completa a abertura em dose tripla do museu. Foram reunidos nomes com produção entre os anos 1920 a 1950, como Lasar Segall, Oswaldo Goeldi e Renina Katz, que estão no acervo do museu.

Pina_Luz - Pça. da Luz, 2, Bom Retiro, tel. 3324-1000

Abertura 26/10 fica até 16/2

Seg. e qua. a dom.: 10h às 17h30

Ingr.: R$ 10. Menores de 10, maiores de 60 anos e sáb.: grátis.

Três vezes Pina

León Ferrari

‘Primera carta al Papa’ (2007)

O artista rebate mentiras do calúnias do papa, e recorda os princípios da Igreja Católica

Adrià Julià

‘A Imagem Excedente’

A videoinstalação fala da história de uma fotografia perdida feita por Hercule Florence (1804-1879)

Gravura e crítica social: 1925-1956

‘Retirantes”’ 

A gravura de Renina Katz retrata o impacto do êxodo nordestino em direção ao sul do Brasil

Fonte: Isabella Menon   |   FSP-Guia

(JA, Out19) 

Van Gogh - Cunhada o salvou do esquecimento

Hans Luijten, curador do museu Van Gogh de Amsterdã, publica uma extensa biografia, fruto de sua investigação sobre Jo Van Gogh-Bonger, cunhada do artista e viúva de seu irmão Theo, que conseguiu vender 192 de seus quadros, e dedicou a vida à difusão de sua obra.  

Johanna van Gogh-Bonger com seu filho

No sofá da vergonha histórica, no qual sistematicamente as mulheres são relegadas ao esquecimento, o que só atualmente percebemos ser indevido, existe uma lacuna importante para Johanna van Gogh-Bonger (Amsterdã, 1862).

Tradicionalmente relegada ao papel secundário de ‘cunhada’ ou ‘esposa de’, a figura de Jo é talvez a peça mais importante para entender a ressonância do sobrenome Van Gogh na história universal da arte.

Isso é pelo menos entendido por Hans Luijten, curador permanente do Museu Van Gogh na capital holandesa e autor de ‘Tudo para Vincent’, uma extensa biografia, resultado de cinco anos de pesquisa sobre a mulher que colocou no mercado o autor de ‘Caveira com um cigarro’.

‘Ela trabalhou estrategicamente para poder colocar as pinturas de Van Gogh, procurando os melhores intermediários em toda a Holanda e parte da França. Da mesma forma, ela entrou em contato com todos os escritores e críticos de arte, com influência para falar sobre Vincent, nos jornais e revistas da época’, explica esse professor de literatura renascentista que vem pesquisando a cerca de um quarto século o grande mistério do pintor de Brabant-Holanda. Seu trabalho, baseado na análise detalhada de três décadas de diários da esposa de Theo van Gogh, e que já foi publicado em holandês, será traduzido para o inglês antes do final do ano.

De acordo com Luijten, a importância de Jo com o legado de Van Gogh é explicada por dois grandes marcos. Primeiro, a exposição que organizou ao lado do Museu Stedelijk, em Amsterdã, em 1905, 15 anos após a morte de Vincent e 14 após a morte de seu marido. Nele, além de expor os trabalhos mais expressivos do pintor nos meses que esteve em Arles, ela ficou encarregada de estabelecer contato com os negociantes de arte mais ricos e importantes da época. Este passo, essencial para que as pinturas se tornassem famosas em todo o Velho Continente, pode ser o mais importante, mas é menos conhecido, do que sua grande contribuição ao misticismo torturado de Van Gogh: a publicação, em 1914, do primeiro volume da correspondência que o artista manteve com seu irmão.

Através de mais de 800 cartas, Johanna organizou, traduziu para o inglês, e tornou públicas as conversas fraternas, no período de agosto de 1872 a julho de 1890, alguns meses antes da morte do pintor. A importância dos documentos, que Theo legou à esposa, não apenas ajuda a entender o complicado processo criativo de Vincent, mas também se tornou imediatamente o principal guia de estudo do criador de ‘Noite Estrelada’.

Jo Van Gogh-Bonger vendeu 'Os Girassóis’ por 15.000 florins (uns seis milhões  de euros).

Embora, no início da Primeira Guerra Mundial ,a arte de Van Gogh já estivesse em voga, ‘as cartas fizeram o resto, porque o escritor e o pintor andam de mãos dadas’, diz Luijten, que descarta o motivo monetário entre as motivações de Johanna. ‘É comum associar sua situação de viuvez ao desespero econômico, mas a determinação de Jo em tornar conhecida a arte de Vincent van Gogh tem mais a ver com as ideias de modernidade e transcendência que seu marido transmitiu’, diz o especialista, ao recordar as críticas infames recebidas pelas primeiras exposições do artista: ‘Eles a culparam por atribuir a Vincent o status de Deus da arte’.

Além dos números, que falam de uma mulher capaz de vender 192 pinturas, e algumas, como girassóis, por 15.000 florins holandeses da época (cerca de seis milhões de euros corrigidos pela inflação), a biografia de Luijten descobre a ativa Jo, que, nem mesmo durante os anos em que esteve casada, ou no papel de viúva, se sentiu impedida de se envolver socialmente. Isto é explicado, em grande parte, por seu treinamento musical inicial, ao nascer em uma família dedicada ao piano, e também por sua extraordinária capacidade de idiomas, o que a levou a viver em Londres durante a juventude.

Na capital do Império Britânico, ela teve seu primeiro contato com a arte, desde que visitou a Galeria Nacional e o Museu Britânico em inúmeras ocasiões, onde trabalhou por vários meses como tradutora eventual para alemão, francês e holandês. Lá, ela conheceu muitos dos proprietários da galeria, os quais mais tarde a ajudariam a aumentar o legado de Vincent, como também um grupo de mulheres de sua idade, que a envolveram nos incipientes movimentos de sufrágio da época.

Obviamente contagiada, a jovem Jo, que cruzara o Canal da Mancha, assumiu os preceitos da esquerda internacionalista, e os importou para seu próprio país. Além de reivindicar na rua o direito ao voto das mulheres, o que pode se materializar na Holanda assim que a Grande Guerra terminou, a viúva de Theo se juntou ao então ao recém-nascido Partido Socialdemocrata dos Trabalhadores (germe do atual do Trabalho), e lutou em um braço político moderado do movimento trabalhista. De fato, e de acordo com seu biógrafo, Jo foi assistir a uma reunião com Leon Trotsky, e ofereceu seminários em sua própria casa ‘sobre os direitos das mulheres, e sobre como aspirar a uma vida melhor’, reconhecida como fundadora da seção de  propaganda feminina.

Em relação à sua estadia em Londres, Luijten acrescenta que ‘foi fundamental para o desenvolvimento de sua consciência social’. Seu maior esforço, como escreveu, foi ‘viver sempre de maneira nobre’. Na Inglaterra, Jo também entrou em contato com as artes cênicas e a poesia e, assim, investigou a figura do poeta Percy Bysshe Shelley, sobre quem escreveu uma dissertação analisando suas famosas Ozymandias.

Depois de voltar a Amsterdã, casar-se com Theo e enviuvar, a vida não parou para Jo. Em 1901, dez anos depois de enterrar o mais velho dos irmãos Van Gogh, ela se casou com o artista Johan Cohen Gosschalk.

Infelizmente, ele morreu alguns anos depois e, após mudar o túmulo de Theo de Utrecht para Auvers-sur-Oise,  para descansar ao lado de  Vincent, ela partiu para Nova York.

Em 1925, aos 62 anos, cercada pelo filho e quatro netos, Johanna van Gogh-Bonger morreu com o grande objetivo de sua vida cumprido, ao ver o trabalho de Vincent van Gogh reconhecido em todo o mundo, e sem se desfazer da pintura que considerava a mais valiosa: ‘Amendoeira em  Flor’, óleo sobre tela que o artista pintou em 1890 para comemorar o nascimento do filho dela, seu sobrinho.

Fonte: Matías G. Rebolledo   |   El Mundo

(JA, Out19) 

História das Mulheres Artistas até 1900

Atelier Abel de Pujol, 1822

A exposição Histórias das mulheres apresenta quase cem trabalhos, que datam do século 1 ao 19. Como o título indica, não se trata de uma única história, mas de muitas, narradas por meio de obras feitas por mulheres que viveram no norte da África, nas Américas (antes e depois da colonização), na Ásia, na Europa, na Índia e no território do antigo Império Otomano.

Uma das características mais fortes desta mostra é o diálogo que se estabelece entre pinturas e têxteis, escolhidos como um suporte emblemático — afinal, a pintura também é feita sobre tecido.

Sofonisba Anguissola

Com 60 pinturas, 2 desenhos e 34 tecidos de diferentes épocas e origens, Histórias das mulheres destaca trabalhos para além das categorias tradicionais das belas artes, procurando oferecer perspectivas mais amplas e mais plurais. Embora não se conheça o nome das artistas têxteis, todas as peças expostas foram produzidas por mulheres.

Em muitas regiões do mundo antes de 1900, a criação de tecidos, feita manualmente, era considerado um trabalho de gênero e visto como o ideal das mulheres — da mesma forma que a pintura de belas artes era típica e idealmente feita por homens. Colocar essas duas formas de trabalho juntas demonstra a persistência do fazer das mulheres ao longo do tempo. Mesmo que os tecidos estejam excluídos das definições de arte, e de as mulheres terem sido barradas do treinamento nas academias, a exposição mostra que elas sempre fizeram arte.

Elisabeth Louise Vigée Le Brun

Algumas artistas tiveram carreiras de grande sucesso. Este é o caso das tecelãs da América pré-colombiana, que desfrutaram de uma posição de prestígio nas sociedades andinas, de Sofonisba Anguissola, que trabalhou para a corte espanhola no século 16, de Mary Beale, cujo marido foi seu assistente de ateliê, no século 17, de Elisabeth Louise Vigée Le Brun que ocupou o cargo de ‘primeira pintora’ da rainha da França, no século 18, e de Abigail de Andrade, que ganhou uma medalha de ouro no Salão de 1884, no Brasil imperial.

Autorretrato, 1787-1790 Leonor de Almeida Portugal de Lorena e Lencastre - Alcipe

Apesar disso, as mulheres representam um contingente muito menor que seus colegas homens nos manuais de história da arte, nas narrativas oficiais e nas coleções de museus. O MASP possui em seu acervo apenas duas pinturas de mulheres artistas até 1900: um autorretrato da portuguesa Leonor de Almeida Portugal de Lorena e Lencastre e um panorama da baía de Guanabara, da inglesa Maria Graham, especialmente restaurado para esta exposição.

É difícil falar de histórias feministas antes do século 19, por isso falamos em histórias das mulheres. Mas olhar para as artistas dessa época, hoje, nos ajuda a estabelecer genealogias feministas. O encontro com essas várias precursoras — nomeadas ou anônimas, famosas e desconhecidas — nos convida, assim, a repensar as hierarquias da história tradicional, que costuma celebrar a arte como uma atividade de homens brancos e europeus. A singularidade das obras expostas mostram que a arte é muito maior e mais complexa do que se costuma imaginar.

‘Histórias feministas: artistas depois de 2000’

Masp (Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand)

De 23 de agosto a 17 de novembro de 2019

Fonte: MASP  Exposições

(JA, Out19)

Luiz Aquila reafirma vitalidade da pintura com mostra no Rio

Feitas de 2007 até hoje, obras convidam a viajar no tempo e no espaço do artista

O artista Luiz Aquila

O percurso até a casa-ateliê de Luiz Aquila, em Petrópolis, na serra fluminense, é sereno, tem espaço e traços marcantes. Convida a entrar e ficar em seu universo colorido. Um bom paralelo com suas obras. As telas do artista sempre encontram um lugar de respiro, de pausa, em meio a tantos movimentos.

Trinta delas, feitas de 2007 até agora, estão ocupando a sala principal do Museu Nacional de Belas Artes, na avenida Rio Branco, no Rio de Janeiro. Recém-inaugurada, a mostra ‘III Milênio - Criação em Aberto’, com curadoria dele e da diretora do museu, Mônica Xexéo, faz um convite a viajar no tempo e no espaço de Aquila.

Carioca de 76 anos, ele vive na serra fluminense há três décadas. ‘A pintura representa para mim um sentido de afirmação vital’, conta o artista. ‘Nós pintores usamos um instrumento arcaico, pauzinhos com pelinhos na ponta, os nossos pincéis, e atravessamos o tempo com eles’.

Hoje o pouso de Aquila é certo, mas ele viveu fora do Brasil em vários períodos. ‘Existia uma vontade de transitar’, explica. Essa movimentação também está refletida nas telas, o ir e vir, sujeito a traços fortes, cores mais e menos intensas, sempre respirando.

‘Luiz Aquila pertence a uma geração de artistas com sólida e erudita formação. Disciplinado e meticuloso, desenvolve na intimidade de seu ateliê as suas obras, a partir de intensa pesquisa de materiais e suportes’, escreveu Mônica Xexéo na apresentação da mostra.

Filho do artista plástico e arquiteto Alcides da Rocha Miranda, Aquila teve uma criação privilegiada ao lado de pintores como Portinari e Djanira. O Belas Artes faz parte de sua infância e, por isso, tem um significado especial expor ali. ‘Trazer a arte contemporânea para esses espaços simbólicos é sempre muito bom’.

Com 16 anos ‘e um vaga ideia de ser pintor’, foi aluno de Aluísio Carvão, no MAM carioca, aprendendo pintura, e de Oswaldo Goeldi, de xilogravura, na Escola Nacional de Belas Artes. Sessenta anos depois, com uma consagrada trajetória nas artes plásticas, Aquila se emociona ao entrar em um espaço que estava tão distante.

A exposição traz a expressão de sua pintura. Sua construção diária, sua necessidade vital nos traços. Aquila foi chamado pelo crítico de arte Frederico Morais de ‘herói de sua própria pintura’. E essa é uma revelação que a exposição se propõe a fazer.

Luiz Aquila III Milênio - Criação em Aberto

Museu Nacional de Belas Artes, av. Rio Branco, 199, Rio de Janeiro.

De ter. a sex., das 10h às 18h; sáb. e dom., das 13h às 18h.

Até 1º/12

R$ 8

Fonte: Alice Granato   |   FSP        

(JA, Out19)

Mulheres revivem a tradição de rendas e de bordados em Carapicuíba

Trabalhos feitos por artesãs da Grande SP e do interior paulista estarão em exposição no Sesc

Comunidades de artesãs. Mulheres rendeiras trabalham no fundo do atelier, na aldeia de Carapicuíba

‘Olê muié rendera/ Olê muié rendá/Tu me ensina a fazer renda/Que eu te ensino a namorá’   (‘Mulher Rendeira’, xaxado atribuído a Lampião, o rei do cangaço).

Quando se fala em artesanato, muitos pensam no Norte e no Nordeste e num ofício rudimentar, parado no tempo. Mas os tempos mudaram.

‘Eu tive uma grande surpresa ao descobrir a riqueza e a criatividade das artesãs aqui mesmo em São Paulo’, diz a jornalista Adélia Borges, 68, mineira de Cássia.

Chamada pelo Sesc para fazer a curadoria de uma exposição nacional sobre o universo têxtil das rendeiras e bordadeiras, logo ela percebeu que não precisaria viajar muito pelo país para encontrar o que procurava.

Na região metropolitana e no interior, a curadora selecionou 20 participantes em coletivos, comunidades e cooperativas de 14 municípios, com farto material para a ‘EntreMeadas’, exposição inaugurada nesta terça-feira (16) no Sesc Vila Mariana.

Comunidades de artesãs. Mulheres rendeiras trabalham no fundo do atelier na aldeia de Carapicuíba

Ali estão tapetes, roupas, bolsas, esteiras, objetos, embalagens, jogos americanos, painéis decorativos, tudo feito a mão, com palha de milho, fibras vegetais, troncos de bananeiras, madeiras, plantas e até lixo reciclável.

‘Está acontecendo uma verdadeira revolução silenciosa nesse campo de trabalho, que se reinventou nos últimos anos com novas técnicas e materiais e se tornou uma importante fonte de geração de renda para muitas famílias’, constata Adélia.

Com a crise econômica e o desemprego, aumentou não só o número de artesãs com dedicação exclusiva mas também de homens, nos teares e nas rocas para fazer os fios ou às voltas com novelos de lã e agulhas de tricô. Calcula-se que eles sejam 15% dos trabalhadores em artesanato.

‘Ao contrário de se retrair, como muitos previam, o artesanato se expande na contemporaneidade. Nesse processo recente, há uma ressignificação da atividade, que alude a valores como calor humano, singularidade e pertencimento’, afirma Adélia.

A 25 km do centro de São Paulo, em Carapicuíba, encontramos a Oca Cultural, ONG criada em 1996 onde trabalham as Rendeiras da Aldeia.

O objetivo inicial da Oca era desenvolver atividades culturais gratuitas com crianças da região. Logo vieram os cursos para alfabetização de adultos e, em 2006, um grupo de mães se instalou na casa 21 da antiga Aldeia de Carapicuíba, erguida pelos jesuítas em 1580, para se dedicar ao artesanato.

Quem conhece essa história desde o começo é a professora Lucilene da Silva, 47, mineira de João Monlevade, formada em Letras, que está concluindo seu doutorado em etnomusicologia (estudo da música tradicional dos povos) na Unicamp.

Música e artesanato sempre andaram juntos, conta ela, pois as mulheres costumam cantar enquanto trabalham.

Das zonas rurais do Nordeste veio a maioria das 15 Rendeiras da Aldeia que, além de mostrarem seus trabalhos, vão cantar na abertura da EntreMeadas no dia da abertura da mostra, que vai até 9 de fevereiro de 2020.

Na terça-feira, elas apresentarão, acompanhadas de cinco músicos, um repertório de ‘Cantos de trabalho, do tecer, cozer, bordar, fiar e rendar’, que ensaiavam na semana passada no quintal da Oca Cultural. É um espetáculo encantador, de cores e sons, bonito de ver e ouvir.

Com idades entre 45 e 65 anos, antes elas trabalhavam como empregadas domésticas, babás ou diaristas, sacolejavam várias horas por dia em ônibus, indo ou vindo do trabalho. Agora, trabalham em casa e cuidam dos filhos. Têm uma renda média de R$ 2.500 ao mês, podendo chegar a R$ 4.000, mais do que ganhavam antes.

Filha de Terezinha Rosa, uma costureira negra, hoje com 87 anos e ainda na ativa, com quem aprendeu a fazer renda, aos cinco anos Lucilene da Silva já queria ser cantora e professora.

Começou a dar aulas cantando para as cadeiras de casa para treinar. Antes de vir para São Paulo para fazer mestrado, com 27 anos, cantava na Casa Arte Brasil e no coral de Monlevade.

Cantando com as crianças e rendando com as mães na Aldeia de Carapicuíba, ela coloca em prática o que aprendeu com a pesquisadora baiana Lydia Hortélio, que a apresentou a Maria Amélia Pereira, fundadora da Oca Cultural.

Juntas, elas criaram o Centro de Estudos e Irradiação da Cultura Infantil, que já levou Lucilene a 150 municípios brasileiros para pesquisar as brincadeiras tradicionais das crianças e suas cantigas.

‘Essa aqui faz renda renascença com almofada e agulha. Olha que beleza! Aprendeu com a mãe quando tinha nove anos’, diz Lucilene, apontando para Wilma da Silva, pernambucana de Pesqueira.

Aliane Lindolfo da Silva cortava cana em Pernambuco antes de vir para São Paulo; não sabia ler nem escrever. Foi a primeira aluna do curso de alfabetização de adultos pelo método Paulo Freire e já leu ‘Manuelzão e Miguilim’, de Guimarães Rosa.

Depois ela trouxe os parentes e vizinhos, entre eles uma senhora de 85 anos. Outras trabalhavam em casas de farinha ou na roça. Todas trouxeram na bagagem a cultura ancestral do artesanato, que aprenderam com as mães, e estão transmitindo aos filhos. A novidade é que agora também os meninos querem aprender a fazer renda.

‘A cidade grande engole as belezas. Antes, elas tinham vergonha de mostrar esses trabalhos, que começam a ser mais valorizados com a multiplicação dos pontos de venda, não só em feiras e bazares, mas também em butiques dos bairros chiques, e até na loja do Masp’, conta Lucilene.

Na Oca Cultural, naquelas casas rústicas de estilo colonial, pintadas de azul e branco em torno da velha praça da aldeia, as rendeiras também recebem encomendas pela internet e usam as redes sociais para divulgar seus trabalhos.

Essas mulheres felizes sentem prazer em contar como as peças são feitas, do material empregado ao acabamento. Um vestido infantil de renda, por exemplo, pode levar até 40 dias para ficar pronto —por isso, os preços costumam ser mais altos do que os das roupas industrializadas.

O que mais chama a atenção nesse lugar, que mistura presente e passado, é a alegria com que as artesãs exercem seu ofício, e a dignidade das senhoras que vieram de longe e se reencontraram em São Paulo com as suas origens.

Ao final do seu texto no catálogo da mostra EntreMeadas, Adélia Borges resume sua pesquisa do artesanato paulista: ‘Quando falamos de entrelaçar fios, do fazer têxtil, falamos também do tecido social em que vivemos. E, acima de tudo, da capacidade de, juntas e misturadas, mulheres de diferentes gerações, procedências e classes sociais reinventarem poeticamente o mundo em que vivemos’.

Lucilene da Silva prefere cantar:

‘Ô luar/ Ô luarinho/Ô luar do firmamento/Quem me dera estar aqui/Onde está meu pensamento’.

Exposição EntreMeadas

Sesc Vila Mariana, rua Pelotas, 141, São Paulo

A partir de 15/10, até 9/02/20. De terça a sexta, das 10h às 21h30; sábados das 10h às 20h30; domingos das 10h às 18h30.

Grátis

Fonte: Ricardo Kotscho   |   FSP

(JA, Out19)

Exposição de Leonardo da Vinci em São Paulo tem datas definidas

A exposição imersiva ‘Leonardo da Vinci – 500 anos’ em São Paulo será aberta ao público no próximo dia 02 de novembro. Bastante esperada a mostra teve sua realização anunciada para outubro, mas foi adiada por conta de obras no novo espaço do Museu da Imagem e do Som de São Paulo (MIS), o MIS Experience.

A exposição segue até 1º de março de 2020, de terça-feira a domingo, das 10h às 20h. A entrada é gratuita às terças-feiras. Aos sábados, domingos e feriados custará R$ 40 e de quarta a sexta custará R$ 30. Meia entrada para estudantes e acima de 60 anos.

O MIS Experience fica na Rua Vladimir Herzog, 75, no bairro da Água Branca.

O evento celebra o legado do cientista, matemático, engenheiro, inventor, anatomista, pintor, escultor, arquiteto, botânico, poeta e músico e é inspirado no Atelier des Lumière, em Paris.

Em São Paulo os visitantes terão ainda uma experiência multissensorial com animações gráficas em alta definição, combinadas a conteúdo multimídia e narrativa em áudio, o que permitirá uma vivência divertida, educativa e esclarecedora, voltada para pessoas de todas as idades e interesses. O público terá a oportunidade de tomar contato com a história das realizações do homem que lançou as bases para algumas das invenções mais notáveis da sociedade moderna, como o helicóptero, o automóvel, o submarino, o paraquedas e a bicicleta.

Criada em parceria com o Museo Leonardo da Vinci, em Roma, e contando com a colaboração de diversos especialistas e historiadores da Itália e da França, a exposição foi concebida pela Grand Exhibitions, empresa sediada em Melbourne, na Austrália, com escritórios no Reino Unido e nos EUA.

‘Leonardo da Vinci – 500 Anos de um Gênio’ também traz a área ‘Segredos de Mona Lisa’, uma análise profunda da pintura mais famosa do mundo, realizada no Museu do Louvre por Pascal Cotte, renomado engenheiro, pesquisador e fotógrafo de obras de arte.

O MIS Experience terá uma área expositiva de 1,7 mil metros quadrados e outros 800 metros quadrados de área de projeção. O espaço resulta de uma parceria com a Rádio e TV Cultura, e amplia o trabalho realizado pelo Museu da Imagem e do Som de São Paulo, que agora conta com dois espaços para exposições. O MIS é uma instituição cultural do Governo do Estado de São Paulo, vinculada à Secretaria de Cultura e Economia Criativa e gerida pela organização social Paço das Artes.

Fonte: Mochileiros.com

(JA, Out19)

My Name Is Ivald Granato – Eu Sou

Uma alentada retrospectiva prova que o brasileiro foi não só uma figuraça carismática — mas, sobretudo, um artista essencial de sua geração

Com curadoria de Daniel Rangel, ‘My Name Is — Ivald Granato — Eu Sou’ é a primeira exposição após a morte do artista plástico fluminense, em 2016, aos 66 anos.

A mostra apresenta o artista em uma visão multi-perspectiva, destacando sua expressão pessoal e como ela se reflete em suas telas, sua forma de se relacionar com o mundo e a ligação direta de seus traços marcantes, as cores vivas e a gestualidade presentes em suas obras. Com 5 décadas de trabalho ininterrupto, Granato desenvolveu uma produção extensa, experimentando diversas técnicas e procedimentos, sendo inclusive um dos pioneiros da arte performance no Brasil.

Além de trazer uma seleção de suas pinturas, objetos, desenhos e cadernos de artista, com o uso de recursos multimídias, a exposição pretende abarcar sua produção, incessante e multifacetada, sua personalidade cativante e agregadora, e a atmosfera de efervescente experimentação de seu ateliê na Zona Oeste de São Paulo.

O artista multimídia Tadeu Jungle concebe um espaço digital, acessível com o uso de óculos de realidade virtual, em que o público pode navegar para visualizar mais obras de Ivald Granato - ampliando o acervo presente no Espaço Expositivo da unidade. Nas telas espalhadas pela expografia, estarão também depoimentos e entrevistas em vídeo de artistas e amigos que conviveram com Granato.

No documentário ‘Olé Olé Olé!’, os Rolling Stones fazem um registro soltinho da turnê e das andanças da banda pela América Latina em 2016. Ao lado dos roqueiros ingleses, brilha um astro nacional: o artista plástico Ivald Granato.

Amigo de longa data de Keith Richards e Ronnie Wood, ganhou uma homenagem comovente. No meio do filme, surge com Wood no Beco do Batman, ponto turístico onde os grafites de rua são a atração principal, em São Paulo. Granato morreu alguns meses antes do lançamento.

Os dois também pintaram no ateliê do artista. A nota surpreendente: ‘Ivald não falava nada de inglês, só I love you’, brinca o guitarrista dos Stones, e dublê de pintor. Mas esse é o menor dos problemas: Granato interage com o gringo com a urgência encantadora de um xamã das artes. ‘Ali estavam um roqueiro que queria ser pintor e um pintor que queria ser roqueiro. Eles se entendiam’, diz a jornalista Alice Granato, filha do brasileiro.

A relação calorosa com os Stones, movida a arte e rock’n’roll, é um resumo da figuraça retratada na mostra.

A mostra é a primeira retrospectiva de Granato desde sua saída de cena — ele sofreu uma parada cardíaca enquanto dormia, em julho de 2016 — abarca todas as facetas do artista eclético e febril nascido em Campos dos Goytacazes, no interior fluminense, e que reinaria na louca cena artística paulistana dos anos 70 e 80.

O acervo de 500 itens inclui cadernos, desenhos, memorabilia, vídeos e fotos das performances que o tornariam célebre — como A Safada de Copacabana, em que ele se vestia de mulher para distribuir dinheiro falso na praia carioca, e Mitos Vadios, quando se uniu a outros artistas para denunciar o marasmo da Bienal paulistana.

Granato é, merecidamente, saudado como uma personificação brasileira da performance, forma de expressão tão típica da contracultura. Mas a mostra amplia a visão sobre sua arte: do fim dos anos 60 aos meses antes de morrer, o que unifica sua produção é a pintura. 

Como se pode ver em quadros ao vivo e nas galerias virtuais em que o espectador mergulhará com óculos 3D, Granato passeou da arte pop à abstração com notável coerência. Qualquer tentativa de criar cordões de isolamento entre as mil e uma atividades do artista seria errônea. ‘Na performance ou na pintura, ele é uma coisa só: há influência pop, cores e formas vibrantes — e, principalmente, movimento’, diz o curador Daniel Rangel.

Movimento é o que não faltava em sua vida pessoal. Ser quase monoglota não impediu Granato de frequentar as festas mais quentes de seu tempo, inclusive no exterior — onde foi amigo de baladeiros como a princesa alemã Gloria von Thurn e Taxis. As duas casas­-ateliê que teve em São Paulo reuniam do tropicalista Gilberto Gil aos Titãs. 

E havia, claro, os Stones. Ele os conheceu nos anos 80 e ficou tão íntimo que passou um período na residência de Keith Richards em Nova York. Pintar e bordar era com ele mesmo.

My Name Is Ivald Granato

Sesc Belenzinho - Rua Padre Adelino, 1.000, Belenzinho SAO PAULO | CEP: 03303-000, Espaço Expositivo e Átrio

De 10 de outubro à 26 de janeiro de 2020. Terça a sábado, das 10h às 21h; domingos e feriados, das 10h às 19h30.

Fonte: Marcelo Marthe, Rev. Veja   |  SESC

(JA, Out19)