Egon Schiele - The Complete Works Online

‘A Agonia’, 1912, de Egon Schiele, 1890-1918

Nascido em 1890 em Tulln, na Áustria, Egon Schiele estudou na primeira década do século 20 em duas importantes instituições de artes plásticas, a Kunstgewebeschule e na Akademie der Bildenden Künste, ambas em Viena.

Mesmo sem terminar seus estudos, chamou atenção do famoso pintor Gustav Klimt, que comprou alguns de seus desenhos e o incentivou, contratando inclusive modelos para que pintasse.

As obras de Schiele são marcadas por figuras distorcidas porém frequentemente eróticas  — Schiele chegou a ser preso porque crianças visitaram seu estúdio e viram seus quadros.

Ele atingiu notoriedade em vida e morreu cedo, aos 28 anos, em 1918, de gripe espanhola. Com o tempo, passou a integrar o cânone das artes plásticas: em 2011, sua pintura ‘Häuser mit bunter Wäsche (Vorstadt II)’ foi vendida por US$ 40 milhões.

No início de dezembro de 2018, o site do jornal dedicado às artes plásticas The Art Newspaper divulgou a informação de que o catálogo virtual Egon Schiele The Complete Works Online passou por uma nova atualização.

O banco de dados é mantido por uma fundação criada para tanto, a Kallir Research Institute. Ele é atualizado por uma equipe liderada por Jane Kallir, que dá seu nome ao site e é codiretora da Galerie St. Etienne, em Nova York.

A relação dela com a obra do pintor vem de longa data. Jane é neta de Otto Kallir (1894-1978), que foi responsável por criar o primeiro catálogo raisonné de Schiele, em 1930 em Viena.

Esse tipo de catálogo tem como objetivo reunir as obras mais relevantes produzidas por um artista. A própria Jane Kallir é autora de um outro catálogo raisonné dedicado a Schiele, publicado em 1990 e atualizado em 1998.

Em entrevista ao The Art Newspaper, ela afirma que optou por criar um catálogo online porque acredita que já não vale a pena investir em obras físicas. ‘Já não faz mais sentido lançar uma publicação dessas em forma impressa: livros são muito caros, e desatualizados mesmo antes de chegarem às livrarias’.

O catálogo online traz as obras em alta resolução, e permite que sejam vistas em mais detalhes do que se fossem impressas em papel.

Para a maior parte das obras, a plataforma traz principalmente informações sobre sua trajetória, que são de interesse especialmente de colecionadores ou outros atores do comércio artístico.

Há informações como onde foram expostas, e pelas mãos de quais compradores ou saqueadores passaram, assim como as referências bibliográficas desses dados. Mas há pouca informação a respeito do estilo empregado ou sobre o que expressam.

O verbete dedicado ao óleo ‘Agonia’, de 1912, por exemplo, afirma que “Alessandra Comini, curadora e historiadora da arte, sugere que Schiele pode ter originalmente pensado nesse trabalho para a sala de jantar dos Lederer. É uma das três pinturas compradas por Hauer em julho de 1912, por um total de 900 coroas”.

Também dedicado ao artista, o site egon-schiele tem informações sobre bem menos obras, mas cita ‘Agonia’ entre outros trabalhos selecionados, e afirma que:

“Nenhuma figura possui traços que podem ser identificados conclusivamente com alguma pessoa específica. Utilizando a metáfora religiosa, Schiele acreditava que artistas, assim como santos, devem sofrer por aquilo em que acreditam. ‘Agonia’, que pode muito bem ter sido pintada pouco após ele ter sido liberado da prisão, seja o testemunho dessas dores.” Do texto a respeito de ‘Agonia’, presente no site egon-schiele.

Fonte:  =Nexus

(JA, Dez18)

http://www.egonschieleonline.org/ 

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Leonardo Da Vinci - Uma Mente Errante

Por que a falta de foco do Mestre Renascentista foi a fonte de seu gênio

  

Como Adam Smith nos disse em A riqueza das nações, o sistema econômico capitalista baseia-se na divisão e especialização do trabalho. Nós vemos essa força oculta guiando nossas vidas a partir do momento em que nos matriculamos na escola. A cada ano, de nossos Certificados da Escola Secundária, às nossas Qualificações Acadêmicas, às nossas graduações, nosso escopo se estreita e os assuntos que adotamos diminuem. No momento em que chegamos à nossa formatura, muitas vezes encontramos rapidamente algumas carreiras selecionadas. Quando embarcamos nelas, seguimos nossos pontos fortes e circunstâncias, e nos especializamos ainda mais.

Como tal, no mundo profissional de hoje o 'foco' é visto como uma virtude cardinal. Uma receita para uma carreira de sucesso, ou um negócio próspero. A economia valoriza especialistas. Todos nós ouvimos a frase de advertência 'Jack of all trades and Master of None'. Há uma lógica para isso, o surgimento da Internet significou que os produtos e serviços dos concorrentes estão a apenas um clique de distância para os consumidores. Vale a pena restringir nosso foco e estar no top 1% de um campo específico. O melhor dos melhores sempre estará em demanda. Essa é a narrativa comum.

A realidade é que a próxima revolução industrial, propagada pela IA e pela robótica, foco e eficiência talvez não seja melhor servida nas mãos dos seres humanos.

Então, onde isso nos deixa? A propósito, relato abaixo o caso de um desfocado.

Leonardo Da Vinci foi o arquetípico gênio da Renascença. Como artista ele também era notoriamente ineficiente. A maior parte de seu trabalho foi deixada incompleta, já que ele muitas vezes ele se desviou para seus outros interesses. Quase sempre, ele se viu cavando buracos de coelho, completamente alheios ao seu trabalho, mas puxado por sua curiosidade insaciável. Ao trabalhar numa encomenda para um rico patrono, ele era notório por perder prazos, para a frustração de seu empregador. Nos poucos casos em que ele terminou suas peças encomendadas, muitas vezes ele não as submetia para seus clientes pagantes. Pegue a Mona Lisa para um exemplo, a qual ele segurou depois de estar pronta para apresentação e venda. Na verdade, ele a guardou para o resto da vida, aplicando periodicamente pinceladas, como bem entendesse.

Embora essa descrição pareça descrever os defeitos e fracassos de Leonardo, há um forte argumento de que os mesmos traços de caráter são o que fizeram dele o gênio que pintou algumas das peças de arte mais célebres do mundo.

Pegue o ‘Salvador Mundi’, o ‘Salvador do Mundo’. No início dos anos 2000, a representação de Jesus há muito perdida de Leonardo foi redescoberta. Foi a primeira peça do trabalho dos mestres da Renascença a ser colocada à venda em 100 anos. Na Christie's, em 2017, vendeu atingindo um valor recorde mundial - US $ 450 milhões. A obra de arte mais cara comprada em leilão. Um testemunho do apelo, e legado duradouro de Leonardo.

A imagem resume como a mente errante de Leonardo ajudou a compor seu trabalho e deu vida a ele.

Mundi de Leonardo – ‘O Salvador do Mundo’

Observe como  o cabelo de Jesus cai e se enrola na pintura. A complexidade e os detalhes aqui são muitas vezes uma bela assinatura dos retratos de Leonardo.

Sua representação do cabelo dos salvadores inspirou-se em suas observações da natureza. Em particular, suas investigações profundas de água. Entender o movimento da água tornou-se um fascínio para ele, até chegou a escrever um tratado de 72 páginas sobre o assunto. Ele passou a ser conhecido como o Codex Leicester e foi comprado por Bill Gates por cerca de US $ 30 milhões em 1990. Sua escrita toca no movimento e erosão dos rios para recomendações arquitetônicas para projeto de pontes, até hipóteses sobre a presença de água na superfície da lua. Ele gasta muito tempo e espaço estudando e esboçando os efeitos e o movimento da água em espaços contraídos, e os redemoinhos e redemoinhos que podem se formar quando a água é desviada de seu caminho costumeiro. Estes orientaram diretamente sua ilustração dos cachos de cabelo castanho de Jesus. Em suas próprias palavras, citadas no excelente livro de Walter Isaacson, ‘Leonardo Da Vinci’ – uma biografia:

O movimento ondulante da superfície da água assemelha-se ao comportamento do cabelo, que tem dois movimentos, um dos quais depende do peso dos fios, o outro na direção do seu giro; assim, a água faz redemoinhos, uma parte da qual resultante do ímpeto da corrente principal e a outra do movimento incidental e do fluxo de retorno.

Representações de Leonardo de água corrente no Codex Leicester

A grande alegria de Leonardo vinha de encontrar as ligações entre tópicos díspares que lhe interessavam. Ele usou suas observações em uma área, para informar suas criações em outra. Isso só foi possível porque ele se permitiu a liberdade de pular para outras áreas de interesse, o que às vezes podia parecer distrações.

Ao mesmo tempo em que Leonardo conduzia suas investigações sobre a água e a hidráulica, ele estava mergulhando em um estudo implacável da anatomia humana. No início dos anos 1500, em Florença, ele passou cerca de cinco anos dissecando cadáveres no hospital Santa Maria Nuova. Os 250 desenhos que ele fez deste período, assim como as 13000 palavras de notas para acompanhá-los, são alguns dos mais surpreendentes e detalhados.

Suas investigações se estenderam desde estudos detalhados do coração e suas válvulas, a medula espinhal até o sistema muscular. Como artista, era natural que ele fosse particularmente fascinado pela anatomia dos músculos faciais e sua capacidade de transmitir emoção. Ele forneceu, talvez, o exame mais detalhado dos lábios e músculos associados ao movimento do tempo. Seus desenhos sobre esse assunto são as primeiras representações conhecidas da anatomia do sorriso humano. Ele escreve:

‘Os músculos que movem os lábios são mais numerosos do que em qualquer outro animal’. A pessoa sempre encontrará tantos músculos quanto há posições dos lábios e muitos mais que servem para desfazer essas posições’.

Dê uma outra olhada no Salvador Mundi. Olhe para os lábios de Jesus. Ele está sorrindo ou franzindo a testa? Ele está com raiva, triste ou pensativo? É difícil dizer. Este enigmático retrato não é, naturalmente, exclusivo deste retrato de Leonardo. Talvez sua pintura mais famosa, a Mona Lisa, encantou os espectadores por séculos com seu sorriso misterioso.

A capacidade de Leonardo de criar ‘retratos psicológicos’, com um sentido real de complexidade, era única para o seu tempo e desde então. Parece-me que ele foi capaz de criar rostos tão inescrutáveis ​​por causa de suas investigações sobre a anatomia facial humana e especialmente a do sorriso. Mais uma vez, sua mente errante, descendo pela toca do coelho, puxada por suas curiosidades variadas, provou informar sua arte.

Estudos anatômicos de Leonardo nos lábios e músculos associados

Assim como o enigma trazido pela representação da face de Jesus, há também um aspecto profundamente psicológico no retrato de Leonardo como um todo. Eu acho que muito disso vem da maneira em que ele usa luz e sombras em sua representação.

Na época, havia um consenso geral na comunidade artística de que retratos de pessoas e da natureza, na pintura, deveriam ser feitos com linhas bem delineadas. Leonardo contestou isso. Ele acreditava que, a fim de descrever o assunto com mais precisão em três dimensões, ‘linhas borradas’, e um uso pesado de sombras era necessário. Esta técnica de marca registrada veio a ser conhecida como 'sfumato' . Em suas próprias palavras:

“O objetivo principal de um pintor é fazer uma superfície plana exibir um corpo como se modelado e separado deste plano. Essa coroação da pintura surge da luz e da sombra... Sombras me parecem ser de suma importância em perspectiva, porque sem elas corpos opacos e sólidos serão mal definidos" - v. Isaacson

Os estudos de Leonardo sobre a percepção humana da luz

Como era o caminho de Leonardo, sua curiosidade o levou a um estudo quase obsessivo de luz, perspectivas e ótica. Em retrospecto, talvez a sua contribuição mais importante para o estudo seja a da ‘perspectiva da acuidade’ , como os objetos parecem menos distintos quanto mais distantes estão. Em suas próprias palavras:

'Você deve diminuir a nitidez desses objetos em proporção a sua crescente distância do olho do espectador'... 'As partes que estão próximas em primeiro plano devem ser terminadas de uma maneira arrojada e determinada; mas aqueles à distância devem estar inacabados e confusos em seus contornos’.

Podemos ver algumas manifestações desses estudos no Salvador Mundi. A mão direita de Cristo, projetando-se em direção ao espectador, é vista de maneira clara e precisa. As características de Jesus mais distantes, seu rosto e cabeça são menos distintos. Para demonstrar isso, eles estão envoltos no ‘sfumato’ da marca registrada de Leonardo - linhas borradas. O efeito geral é dar a Cristo uma sensação tridimensional, o que faz com que o retrato pareça mais vivo e, ao mesmo tempo, mais assombroso.

O Salvador Mundi nos dá algumas dicas sobre a mente errante de Leonardo Da Vinci. Uma vez que um tópico tocasse na curiosidade de Leonardo, ele o perseguiria implacavelmente. Suas investigações muitas vezes foram em tal detalhe que teria sido uma luta para ver como isso estava diretamente relacionado ao seu trabalho. No entanto, suas expedições para entender os mistérios do mundo deram-lhe uma visão abrangente, e compreensão que viabilizou a arte que ele criou.

Enquanto Leonardo estava pintando a ‘Última Ceia’ na Santa Maria Delle Grazie, em Milão, há uma citação que ele deu ao seu patrono, que estava ficando frustrado pelo fato de Leonardo não progredir na peça que ele havia encomendado. Ele resume como Leonardo pensava sobre sua própria ‘ineficiência’ e a tendência de estar frequentemente distraído:

 ‘Os homens geniais mais elogiados,  às vezes realizam o máximo quando menos trabalham... pois suas mentes estão ocupadas com suas ideias, e com a perfeição de suas concepções, às quais depois dão forma’.

Se há alguma crítica que a posteridade colocou em Leonardo, é que ele não produziu o trabalho acabado suficiente. Sua produtividade certamente teria sido aumentada se ele sentasse em seu estúdio todos os dias, das 9 às 5, mas também é provável que o trabalho que ele produziu não fosse tão inexplicavelmente tocante e profundo. Sua própria vida certamente teria sido menos interessante.

Homem Vitruviano

Fonte: Dhinil Patel   |   Medium

(JA, Dez18)

Exposição de Lina Bo Bardi em Madri revela o lado lúdico da arquiteta do Masp

Mostra na Fundação Juan March revela artista para quem não havia limites entre popular e erudito

Aquarela sem título, 1929

Em exposição voltada não exclusivamente para arquitetos, o centro cultural madrileno Fundação Juan March revela mais do que uma projetista, mas uma Lina Bo Bardi intelectual capaz de trafegar tranquilamente entre uma série de disciplinas.

‘Lina Bo Bardi: Tupi or Not Tupi - Brasil 1946-1992’, em cartaz na capital espanhola, é uma das maiores retrospectivas já realizadas sobre a arquiteta ítalo-brasileira. A mostra tem 348 itens que atestam essa enorme capacidade de Lina para o diálogo.

A organização ficou a cargo da tríade espanhola Mara Sánchez Llorens, Manuel Fontán del Junco e María Toledo Gutiérrez —esta última, aliás, destaca como  ‘a maneira de Lina entender a arquitetura é muito mais porosa, global, aberta, expandida’.

Isso se verifica nas dezenas de croquis originais de Lina Bo Bardi. Feitos sem a ambição de serem expostos ao público, eles ganham quase o estatuto de obra de arte nas paredes em Madri.

Os desenhos da Casa de Vidro, do Masp e do Sesc Pompeia raramente têm uma precisão geométrica ou ênfase estritamente técnica. Seus riscos encantam mais pelas ocasiões afetuosas, lúdicas e fantasiosas que imaginava para os ambientes.

Esboço cadeira Bowl, 1951

Dentre as dezenas de desenhos emprestados pelo Instituto Bardi, há o esboço que mostra o vão livre na avenida Paulista ocupado pelo Circo Piolin. Outro apresenta o mesmo com escalas irreais e ativados por um sem-número de pessoas.

Mara Sánchez Llorens, que já havia escrito uma tese e dois livros a respeito da arquiteta ítalo-brasileira, identifica que Lina Bo Bardi compreendia ‘a arquitetura não somente como edifício, mas aquilo que sucede após a sua inauguração’, uma ‘arquitetura que deixa a vida acontecer sem impor formas determinadas’.

Os objetos criados por Lina e também expostos em Madri corroboram essa ideia —cadeiras, colares, uma grande vaca mecânica, o delicado inseto feito com um bulbo de lâmpada e uma pluma, além dos coloridos troncos concebidos para a exposição ‘Caipiras, Capiaus: Pau-a-pique’ e o porco cor-de-rosa sem cabeça da cenografia da montagem de 1985 da peça ‘Ubu Rei’, de Alfred Jarry.

Esta é a primeira grande exposição individual de Lina Bo Bardi na Espanha. O caráter didático da mostra se deve ao objetivo de apresentar a arquiteta para um público que pouco (ou nada) a conhece dela.

‘Queremos mostrar a segunda metade do século 20 no Brasil através de Lina’, relata Sánchez Llorens. A Fundação Juan March já demonstrara interesse pela cultura brasileira com uma grande exposição de Tarsila do Amaral realizada em 2009.

A instituição trata as duas mostras como complementares. Manuel Fontán del Junco, um dos organizadores da mostra, compara: ‘Enquanto Tarsila é uma brasileira que se educa na tradição francesa para retornar ao país e desenvolver sua obra muito particular, Lina é a estrangeira que vai explicar o Brasil para os brasileiros’.

Lina Bo Bardi, 1914-1992

Lina Bo Bardi saiu da Itália em 1946, estabeleceu-se no Brasil e por aqui ficou. Nas cinco décadas que passou no hemisfério sul, formulou uma visão muito particular do país.

Contrapôs-se a qualquer distinção hierárquica entre arte erudita e arte popular. Via valor no que chamava de pré-artesanato —objetos jogados no lixo e posteriormente coletados por pessoas muito pobres, que fazem adaptações e conferem novas funções a essas peças por puro instinto de sobrevivência.

Feitos por anônimos das classes menos favorecidas, esses objetos seriam o ponto de partida para a construção, segundo Lina, de uma cultura autenticamente brasileira.

Só depois de sua morte, em 1992, as ideias de Lina se difundiram para além do país. Ela retorna postumamente ao debate europeu que deixou pouco após dirigir a prestigiada revista Domus durante a Segunda Guerra Mundial em Milão. Nos últimos anos, Lina Bo Bardi foi protagonista de exposições em Londres, Berlim, Amsterdã, Paris, Viena e Estocolmo.

A exposição de Madri também é diferente, pois os desenhos originais de Lina são entremeados por trabalhos de Max Bill, Agostinho Batista de Freitas, Saul Steinberg, Maria Auxiliadora, Hélio Oiticica, Alexander Calder —artistas que ela e seu marido Pietro Maria Bardi expuseram no Masp ou receberam em sua Casa de Vidro.

Nessa busca por apresentar o universo da arquiteta para além das obras que concebeu, entram também um conjunto de carrancas do rio São Francisco, bancos indígenas e um cocar, os objetos de pré-artesanato coletados por ela.

Há ainda um colorido móvel com dezenas de bonecos em movimento representando um circo e pequenos bustos de madeira com feições que claramente remetem a máscaras africanas, peças que estavam expostos em ‘A Mão do Povo Brasileiro’, mostra feita por Lina em 1969 no Masp.

Tanto seus desenhos quanto os objetos indicam o interesse dela pelos acontecimentos populares. No seu imaginário, a baixa cultura não se subjugou a alta cultura. O que será que Lina acharia de suas ideias terem ido parar na vizinhança do Museu do Prado?

Fonte: Francesco Perrotta-Bosch   |   FSP

(JA, Dez18)

O grande poder da arte

Para expressar as tristezas e a fealdade do mundo

Edvard Munch – ‘O Grito’

É um sinal da velocidade com que os eventos estão se movendo que muitos anseiam pelo passado, por um tempo mais simples quando os vizinhos eram amigos e as crianças riam da sujeira nos joelhos. A vida parecia mais colorida naquela época.

Mas, é claro, é tolice acreditar que o passado era mais alegre do que é agora. Qualquer um que diga isso não conseguiu desvincular suas memórias reais das dos posteriores acréscimos. E, no entanto, todos anseiam por voltar a um momento no passado. Eu não consigo pensar em uma razão para isso, exceto que nós preferimos apreciá-lo.

Todos esses gurus dizem: ‘Viva no momento e pratique o não-apego’. Mas nós não somos santos, nem desejamos ser um. A pessoa média é um santo falido, mas o santo comum é um ser humano falido. A essência do ser humano é que não procura a perfeição, que se prepara para, no final, ser derrotado e dilacerado pela vida, que é o custo inevitável por se confiar no amor e na vulnerabilidade de um com os outros. Muitas vezes a dor do passado é exatamente o que nos traz ao presente. Às vezes, o passado é tudo o que temos para mostrar para nós mesmos.

Ninguém jamais demostrou que o homem é alegre por sua natureza. Na verdade, o oposto parece ser verdade. Pois a natureza tem o homem armado além de sua competência. Nós transformamos o mundo, pensamos o mundo, somos o mundo, mas estamos sozinhos, sem o privilégio dos inimigos. E assim, não temos escolha senão exercer o poder que a natureza nos presenteou contra nós mesmos.

Pois só nós que podemos confundir prazer com tristeza; que sofremos dor sem perceber que é, de fato, felicidade; que podemos apreciar as melodias dos pássaros enquanto destruímos seu habitat, que clamam por ajuda sem nunca pronunciar uma palavra. Este é o fardo da consciência, uma doença como alguns a chamam - a grande luta que assola todos os seres humanos.

Fritz von Uhde - em Betrübnis, ~1895

Vemos, ouvimos e provamos quão momentânea, quão pateticamente curta a natureza é. Entendemos que um dia tudo o que amamos em nossos pequenos mundos desaparecerá, sem nunca preencher o vazio em nossos corações. Os rios ficarão escuros, os que amamos nos deixarão, e as flores voltarão a cair no chão.

E mesmo quando sentimos verdadeira felicidade, estamos desconfiados e com medo disso. A luz brilha em nossos rostos, mas temos tanto medo da vida que nos curvamos, protegendo nossos corações da escuridão que se seguirá. O homem é consciente demais para aproveitar o momento presente. Ele preferiria chorar pelo passado, ou a se preocupar com o futuro, do que apreciar a maneira como a chuva cai em seu rosto.

Mas se a vida é tão trágica porque, pergunta Peter Wessel Zapffe, continuamos a persistir?

Por que, então, a humanidade há não muito tempo foi extinta durante grandes epidemias de loucura? Por que apenas um número relativamente pequeno de pessoas perece porque não consegue suportar a tensão de viver?

E Zapffe acreditava que ele havia encontrado a resposta:

'A história cultural, assim como a observação de nós mesmos e dos outros, permite a seguinte resposta: a maioria das pessoas aprende a se salvar limitando artificialmente o conteúdo da consciência'.

A segurança e âncora da casa, cerveja, esportes comerciais, fofocas de celebridades, jogos de azar, filmes, pornografia, programas de televisão e, é claro, drogas, enchem a profundidade da mente da maioria das pessoas. Essas distrações aliviam o tédio, o desconforto, a tristeza e a ansiedade da vida. Elas  permitem que a maioria das pessoas mantenha a crença de que a vida é razoável e vale a pena. E assim, o horizonte da atenção da maioria das pessoas é limitado pela gratificação e indulgência imediatas constantes.

De fato, toda a tendência dos seres humanos é estreitar a experiência de sua vida para que ele possa sentir o mínimo de dor possível. Nós nos encontramos em uma luta contra a natureza, contra a dor da nossa imensa consciência. Porque, se é para aproveitar ao máximo a sua vida, ele deve estar preparado para sofrer a mais terrível tristeza.

Quarto Stato

Mas poucos estão dispostos a compreender a plenitude da vida; a maioria prefere ficar no meio, para evitar a mais alta das promessas, e a menor das dores. Então, em tempos de escuridão, a maioria amaldiçoa sua consciência, e faz o que pode para se distrair do mundo.

Os humanos têm feito isso desde o começo. A história não era tão cor-de-rosa quanto os professores da escola descobriram - era cheia de bêbados, viciados em jogos de azar e vigaristas violentos. O álcool era muitas vezes a única coisa que levava os homens através de suas vidas miseráveis. Mas é difícil entender esse fato hoje em dia. Há pelo menos meio século temos sido suficientemente prósperos para considerar a necessidade do álcool. Ainda assim, encontramos outras maneiras de nos distrairmos.

‘Talvez seja bom que alguém sofra. Um artista pode fazer alguma coisa se estiver feliz? Ele iria querer fazer alguma coisa? Afinal, o que é arte, mas um protesto contra a horrível inclinação da vida?’    |   Aldous Huxley, feno esquisito

Mas existem pessoas, tipos criativos em geral, cuja consciência se estende além das formas de distração que entretêm a maioria das pessoas. Essas pessoas veem, ouvem, sentem e abraçam incomensuravelmente mais do que a pessoa comum - elas são incrivelmente sensíveis à frequência e às vibrações do mundo ao seu redor. Sua compaixão, empatia e criatividade elétrica lhes permitem sentir a maré do mar, tocar as emoções na paisagem e ver as reviravoltas na arquitetura.

E, no entanto, essa imensa consciência é um desastre. Porque quanto mais a pessoa se entende como um ‘eu’, e a responsabilidade resultante de se tornar seu próprio eu, mais se inclina à desesperança e ao desespero - e, em última análise, ao ódio de si mesmo. Você não pode viver alegremente inconsciente se tiver grande inteligência e um belo coração.

‘As intensidades do meu sentimento me fazem estremecer e rir; várias vezes não pude deixar a sala pela ridícula razão de que meus olhos estavam inflamados - de quê? Cada vez eu chorava demais no dia anterior, não lágrimas sentimentais, mas lágrimas de alegria; Eu cantei e falei bobagens, com um vislumbre de coisas que me colocaram antes de todos os outros homens’.   |   Cartas Selecionadas de Friedrich Nietzsche)

Muitos grandes pensadores, incluindo Zapffe, encorajaram as pessoas com almas sensíveis a canalizarem sua energia para a arte. Pois a arte revive o coração do sofrimento causado por uma mente delicada que olha para a vida muito profundamente; é a disciplina que impede que o olho que tudo vê olhe para o mais escuro dos cantos.

Joos de Momper Icarus

Expressar as tristezas e a fealdade do mundo é melhor do que deprimi-lo dentro de você. A arte facilita a escuridão e a tensão em beleza e, com a beleza, você revive a experiência da própria vida. Pois é a beleza que inspira os homens a sofrerem o pior de todos os males, a suportar as mais difíceis incertezas - é ‘a grande sedução à vida’; o grande estimulante para a vida '.

Mas, protegendo-nos das terríveis certezas, também nos escondemos da plenitude da vida, o verdadeiro arrebatamento da natureza e da emoção. O artista abraça seu sofrimento, ele pode até declarar que sua dor é bela. Ele entende que, porque a vida é dolorosa, a arte também deve ser dolorosa.

O desafio do artista, então, é transformar sua mágoa em inspiração, riso, esperança, raiva, alegria ou glamour. E como ele traz novos mundos à existência, e destrói apenas o que precisa ser destruído para que algo mais vivo e virtuoso apareça e, nesse processo, ele sente a força e a vitalidade aumentadas - da realeza e do domínio. De repente, o efêmero é substituído pelo eterno - pelo que não nos deixa, pelo belo.

Quando rimos de nossa própria desgraça ou assistimos a uma tragédia no teatro, aprendemos que a maior beleza é a da catástrofe. Se não fosse pela arte, se não fosse pela beleza, então a falta de coração da verdade nos sufocaria. A arte é uma mentira, uma ilusão magistral. Mas também é necessária para que aqueles com espíritos delicados encontrem uma validade neste mundo.

Texto: Harry J. Stead   |   Medium

(JA, Dez18)

Os museus onde estão alguns dos quadros mais famosos do mundo

Você conseguiria dizer onde se encontram obras-primas como ‘Moça com Brinco de Pérola’, de Vermeer, e ‘Guernica’, de Picasso?

Moça com Brinco de Pérola, Johannes Vermeer

Ela ganhou ainda mais fama ao ser interpretada pela atriz Scarlett Johansson em um filme lançado em 2003. Mas a “Moça com Brinco de Pérola” encanta amantes das artes há muito mais tempo. Figura que aparece no quadro homônimo do pintor holandês Johannes Vermeer, a “Moça” é uma das obras-primas da chamada Era de Ouro da Holanda, ocorrida principalmente no século 17 e quando a nação europeia alcançou grandes feitos científicos, comerciais e artísticos (as pinturas do gênio Rembrandt e a chegada dos holandeses ao Brasil remontam à mesma época).

O quadro de Vermeer, que foi finalizado em 1665 e tem dimensões relativamente pequenas (44,5 cm x 39 cm), é hoje a atração principal do museu Mauristshuis, na cidade holandesa de Haia. A diretor da instituição, Emilie Gordenker, define assim a obra: “ela foi pintada de maneira sublime, com cores em perfeito equilíbrio. Sua boca está levemente aberta, como se ela estivesse prestes a falar algo. Mas ela preserva um ar de mistério que nunca deixa de intrigar. Vermeer deixou para nós o poder de decidir o que ela está pensando”.

Guernica, Pablo Picasso

Assinado por Pablo Picasso, o mural “Guernica” é uma das obras de arte mais famosas do século 20. A pintura expressa, com o estilo cubista típico de Picasso, o caos e o sofrimento causados pelo bombardeio da cidade espanhola de Guernica por aviões nazistas durante a Guerra Civil Espanhola, em 1937. O ataque ocorreu como suporte ao general Francisco Franco, politicamente alinhado a Hitler e que combatia tropas republicanas que se encontravam instaladas na cidade.

A agressão contra Guernica teria chocado imensamente Picasso, que transpôs para uma tela de 3,49 metros de altura e 7,76 metros de largura a sua visão sobre o horror daquele ataque aéreo, com corpos mutilados, seres humanos tombados no solo e muitas expressões de desespero. Esta obra-prima é hoje uma das principais atrações do Museu Reina Sofía, em Madri, na Espanha.

O Grito, Edvard Munch

Para muitos, a obra expressionista ‘O Grito’, pintada pelo menos quatro vezes pelo artista norueguês Edvard Munch entre o final do século 19 e a primeira década do século 20, seria uma amostra perfeita da angústia do homem moderno. O rosto assustador de um ser de feição cadavérica sobre uma ponte e com um céu cor de fogo às suas costas tornou-se uma das figuras mais conhecidas (e parodiadas) no mundo das artes: a criação de Munch é inspiração para trabalhos que vão de telas de Andy Warhol ao cartaz do filme “Esqueceram de Mim”.

Um dos quadros de ‘O Grito’ (com 91 cm × 73,5 cm) está em exposição permanente na Galeria Nacional de Oslo, na Noruega. Outras duas versões se encontram no Museu Munch, também na capital norueguesa. E a quarta versão teria sido arrematada em um leilão na Sotheby’s por mais de US$ 119 milhões (aproximadamente R$ 390 milhões).

O Beijo, Gustav Klimt

O pintor simbolista Gustav Klimt é um dos mais célebres artistas austríacos, e sua fama se deve muito à obra-prima ‘O Beijo’, exibida sobre uma tela de 1,80 m x 1,80 m, executada entre os anos de 1907 e 1908 e hoje exposta na Galeria Belvedere da Áustria, na cidade de Viena.

O homem e a mulher se entrelaçando e imersos em um ambiente dourado exprimem uma imagem extremamente poderosa, que sempre capta a atenção de quem passa à frente dela. Segundo a Galeria Belvedere, este trabalho de Klimt combina “princípios de design da arte japonesa, inspiração em mosaicos bizantinos e a influência de artistas como Auguste Rodin e George Minne. Através de sua requintada composição, o casal parece estar desprendido de qualquer sofrimento e dos perigos da existência terrena”.

A Persistência da Memória, Salvador Dalí

Relógios derretendo sobre uma paisagem desértica são as imagens que mais costumam intrigar as pessoas que param na frente do quadro “A Persistência da Memória”, pintado por Salvador Dalí em 1931 e, desde 1934, parte do acervo do Museu de Arte Moderna (MoMA) da cidade de Nova York, nos Estados Unidos.

A obra, que faz parte do repertório surrealista de Dalí e tem dimensões de 24 cm × 33 cm, mostra um cenário digno de um sonho (ou de um pesadelo), tendo, como um de seus destaques, algo que parece uma criatura morta e não identificável no meio da tela. Mesmo absorto pelo derretimento dos relógios, o turista pode se esquecer facilmente das horas ao admirar ao vivo (e envolto pela linda arquitetura do MoMa) esta pintura do gênio espanhol.

As Duas Fridas, Frida Kahlo

Frida Kahlo, que morreu em 1954, virou figura pop entre brasileiros em tempos recentes. O conjunto da obra da pintora mexicana é repleto de autorretratos, e um dos mais instigantes (e perturbadores) deles é o quadro “As Duas Fridas”, hoje exposto no Museu de Arte Moderna da Cidade do México, rodeado pelo lindo parque Chapultepec. Na tela, que 1,73 metro de altura, o público observa duas Frida Kahlo de mãos dadas, de feição impassível e com os corações à mostra unidos por uma artéria.

O quadro foi pintado em 1939, logo depois de Frida se divorciar do grande amor de sua vida, o muralista mexicano Diego Rivera. Note que a figura que aparece no lado direito da pintura tem o coração aberto, com aspecto dilacerado, e segura em uma das mãos uma tesoura, com a qual usou para cortar a artéria que lhe pende do ombro. Sangue cai sobre a saia, enquanto em segundo plano, aparecem nuvens cinzentas, como prestes a estourar em tempestade. Frida teria dito que a obra é uma amostra da solidão e desespero que ela sentiu após se separar de Rivera.

Marilyn Diptych, Andy Warhol

‘Marilyn Diptych’ é um obra assinada pelo aclamado artista Andy Warhol e que hoje faz parte do acervo das galerias Tate, na Inglaterra. Warhol reproduziu 50 vezes em serigrafia, em diferentes tons e composições, uma imagem de Marilyn Monroe feita para promover o filme ‘Niagara’, de 1953, no qual a loira atuou. A tela tem 2,05 metros de altura por 2,89 metros de comprimento e foi finalizada em 1962, mesmo ano em que Monroe morreu, após ter uma overdose de barbitúricos.

Segundo o próprio Tate, ‘Marilyn Diptych’ busca mostrar a onipresença da artista na mídia naquela época e, ao mesmo tempo, desnudar sua mortalidade, expressa principalmente na parte esquerda da obra, em que o rosto de Marilyn aparece borrado e sumindo em preto e branco.

Os Amantes, René Magritte

‘Os Amantes’ é um quadro de 1928 do pintor surrealista belga René Magritte. E não como há como não se intrigar com a imagem do casal se beijando (ou tentando se beijar) com os rostos cobertos por véus.

‘Desejos frustrados são um tema comum no trabalho de Magritte’, escreve o Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), que abriga a obra (que tem dimensões de 54 cm x 73,4 cm). ‘Em Os Amantes, um pedaço de tecido transforma o que seria um ato de paixão em uma situação de isolamento e frustração. Alguns interpretaram este quadro como uma amostra de nossa falta de habilidade em conseguir desvendar a verdadeira natureza mesmo das pessoas são nossas mais íntimas companheiras’.

A Ronda Noturna, Rembrandt van Rijn

Um dos maiores pintores da história, o holandês Rembrandt van Rijn tem, no museu Rijksmuseum, em Amsterdã, um quadro capaz de (sem exageros) entreter os olhos dos visitantes por horas. Trata-se de ‘A Ronda Noturna’, uma pintura a óleo sobre tela que mede 3,63 metros de altura por 4,37 metros de largura e oferece uma infinidade de detalhes fascinantes para o público. De estilo barroco e feita entre 1639 e 1642, a obra mostra a então Guarda Cívica de Amsterdã no meio de uma viela à noite e reunida ao redor do seu capitão, Frans Banning Coqc (vestido de preto e que realmente existiu).

No Rijksmuseum, é possível se sentar em um banco na frente do enorme quadro e observar os expressivos personagens que compõem a obra, todos magistralmente iluminados pelas tintas contrastantes de Rembrandt. Veja, por exemplo, o músico e seu tambor quase sumindo na extremidade direita da tela, enquanto dois homens conversam às suas costas e um cão passa, assustado, no meio desse ambiente caótico e instigante.

A Noite Estrelada, Van Gogh

Outro pintor holandês que não poderia ficar de fora desta lista é Vincent Van Gogh, cujas obras atraem turistas para museus em todo o mundo. Um de seus mais lindos e célebres quadros é ‘A Noite Estrelada’, feito em 1889, quando Van Gogh se encontrava internado em um hospício da comuna de Saint-Rémy-de-Provence, no sul da França (isso aconteceu logo depois do famoso episódio em que ele cortou a própria orelha).

A paisagem que aparece no quadro seria uma vista que o artista teve desde a janela de seu quarto pouco antes de um nascer do sol, uma cena que foi transportada para a tela com a devida genialidade pós-impressionista que sempre caracterizou o velho Vincent. ‘A Noite Estrelada’, que mede 73,7 cm x 92,1 cm, pode ser admirada no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA).

Rosa e Azul, Pierre-Auguste Renoir

Brasileiros (e especialmente os paulistanos) não precisam ir muito longe para ver uma obra de um dos grandes mestres do impressionismo. O francês Pierre-Auguste Renoir tem no Masp, em São Paulo, o lindo quatro ‘Rosa e Azul’, feito em 1881 e que mostra as irmãs Elizabeth e Alice Cahen d’Anvers, filhas de um banqueiro que contratou o pintor para retratar sua família.

A textura e as cores dos vestidos das meninas são tão reais que, para o observador, é impossível não se indagar: ‘Como alguém consegue fazer isso com um pincel?’ Bom, Renoir conseguia e sua obra, por si só, já justifica uma visita ao Museu de Arte de São Paulo. O quadro tem 1,19 m x 74 cm e se encontra no Masp desde 1952.

Abaporu, Tarsila do Amaral

A pintura brasileira mais valiosa do mundo não está no Brasil, mas na Argentina (mais precisamente no Malba, o Museu de Arte Latino-Americana de Buenos Aires). Trata-se do ‘Abaporu’, pintado por Tarsila do Amaral em 1928 e dado de presente para seu então marido, o escritor Oswald de Andrade. Ícone do modernismo brasileiro, o quadro (que tem 85 cm x 72 cm) tem um nome em tupi que pode ser traduzido como ‘homem que come gente’ (algo que teria inspirado o movimento antropofágico, fundado e liderado por Oswald nos anos 1920 e que propunha ‘devorar a cultura estrangeira para depois regurgitá-la com características brasileiras’).

O ‘Abaporu’ foi parar no Malba depois de ser comprado, em 1995, por US$ 2,5 milhões por um colecionador argentino. Hoje, o preço deste obra-prima está estimada em mais de US$ 40 milhões.

Victory Boogie Woogie, Piet Mondriaan

(Piet Mondriaan/Reprodução)

‘Victory Boogie Woogie’ é o último quadro do artista holandês Piet Mondriaan, que o pintou entre 1942 e 1944, mas não conseguiu finalizá-lo, pois morreu enquanto executava a obra. Mesmo assim, a peça é hoje uma das principais atrações do lindíssimo Gemeentemuseum, localizado na cidade holandesa de Haia.

Mondriaan foi o principal expoente do ‘De Stijl’(ou Neoplasticismo), um dos mais famosos dos movimentos abstratos e que teve grande influência sobre o design e as artes plásticas da segunda metade do século 20. Em visita ao Gemeentemuseum em 2014, o então presidente americano Barack Obama fez questão de ser fotografado ao lado do ‘Victory Boogie Woogie’, que ele classificou como ‘fabuloso’.

Composição VII, Wassily Kandinsky

Feito em 1913 pelo artista russo Wassily Kandinsky, o quadro ‘Composição VII’ é considerado uma das principais obras-primas da história da arte abstrata. A peça está em exposição na Galeria Tretyakov, na cidade de Moscou, e seria uma representação de uma cena apocalíptica, com referências a temas como o Juízo Final.

Diz a história que Kandinsky finalizou este quadro em apenas quatro dias. Hoje, trata-se de uma das obras de arte mais famosas expostas em solo russo.

Medusa, Caravaggio

(Caravaggio/Reprodução)

Cavaraggio tem uma infinidade de pinturas fantásticas espalhadas pelo mundo, e uma das mais famosas delas é a ‘Medusa’, finalizada no final do século 16 e hoje exposta na famosíssima Galleria degli Uffizi, na cidade de Florença, que também exibe trabalhos de gênios como Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio e Sandro Botticelli.

Um dos maiores pintores barrocos da história, Caravaggio surpreende a qualquer um com sua capacidade de imprimir emoções intensas nos rostos que desenhava – e isso se aplica principalmente à ‘Medusa’, com sua cabeça decepada e uma expressão de horror a afrontar (e, logicamente, assombrar) o espectador.

Autorretrato, Amedeo Modigliani

(Modigliani/Reprodução)

Autor de quadros famosos como ‘Madame Kisling’ e ‘O Pequeno Camponês’(além de diversos nus artísticos que se tornaram célebres), o pintor italiano Amedeo Modigliani tem um belo autorretrato de 1919 exposto no Museu de Arte Contemporânea (MAC) de São Paulo.

Sobre a obra, que tem dimensões de 100 cm x 64,5 cm, o MAC escreve um texto que pode se aplicar a boa parte dos quadros de Amedeo: ‘[Neste autorretrato], o artista trabalha com linhas sinuosas, alongando a figura, de forma elegante […] A falta de expressão nos olhos de órbitas vazias [característica de várias de suas pinturas] geram um clima melancólico e prenunciam um abandono da vida, da realidade’.

American Gothic, Grant Wood

(Grant Wood/Reprodução)

Pouco conhecido do público brasileiro que não acompanha de perto o mundo das artes, o pintor Grant Wood é o autor de um dos quadros mais famosos dos Estados Unidos: ‘American Gothic’, de 1930, que, em seus 78 cm x 65.3 cm, mostra um casal de feições sérias: ele segurando um forcado e ela usando um vestido típico do século 19.

A construção que aparece atrás dos dois existe na vida real: trata-se da edificação conhecida como American Gothic House, uma casa erguida no século 19 na cidade de Eldon, no Estado de Iowa, e que exibe uma arquitetura cujo estilo é chamado de ‘gótico rural’, muito comum em localidades interioranas dos Estados Unidos. O perfil dos personagens do quadro de Wood representam, segundo ele, ‘o tipo de pessoas que eu sempre imaginei que vivessem nestas casas’. A obra pode ser admirada no museu Art Institute of Chicago, na cidade de Chicago.

Nighthawks, Edward Hopper

(Edward Hopper/Reprodução)

Em 1942, o pintor estadunidense Edward Hopper fez o quadro ‘Nighthawks’, que retrata um grupo de pessoas dentro de um café-restaurante na calada da noite. Com um intrigante clima noir, a obra caiu no gosto dos americanos e virou uma das pinturas mais pop e parodiadas dos EUA (ela já serviu de inspiração até para uma cena de um capítulo dos Simpsons).

O diretor Ridley Scott, por sua vez, disse certa vez que o ‘clima’ passado por Nighthawks serviu de referência para que ele desenvolvesse alguns dos cenários do filme Blade Runner. Assim como American Gothic’, o quadro de Hopper está exposto no museu Art Institute of Chicago.

O Massacre dos Inocentes, Peter Paul Rubens

(Peter Paul Rubens/Reprodução)

Um dos mais famosos episódios do Novo Testamento fez o pintor flamengo Peter Paul Rubens produzir um quadro que choca (e impressiona com suas qualidades artísticas) o público que visita a Galeria de Arte de Ontário, em Toronto, no Canadá. Trata-se de ‘O Massacre dos Inocentes’ que, com um realismo assustador exposto em uma tela de 1,42 m x 1,82 m, mostra os soldados de Heródes, o Grande, matando os recém-nascidos do sexo masculino da cidade de Belém. O infanticídio teria ocorrido após Heródes ouvir que uma criança que havia acabado de nascer em Belém o substituiria como o rei dos judeus.

No quadro de Rubens, além da forte imagem das crianças mortas, o que realmente choca é o desespero das mães tentando impedir que seus filhos sejam assassinados pelos sanguinários carrascos.

Impressão, Nascer do Sol, Claude Monet

​O quadro ‘Impressão, Nascer do Sol’ foi pintado pelo francês Claude Monet nos anos 1870 e é considerado um marco do impressionismo. Na tela, Monet captou com maestria a luz do sol nascente atravessando a neblina que pairava sobre o porto de Havre, na região da Normandia. Também é possível ver na obra o contorno de barcos e chaminés sobre as águas locais.

Com dimensões de 48 cm x 63 cm, ‘Impressão, Nascer do Sol’ é um dos grandes atrativos do museu Musée Marmottan Monet, em Paris, que reúne a maior coleção de obras de Monet no mundo e também exibe trabalhos de gênios como Degas, Manet e Pissarro.

Fonte:  Marcelvincis   |   =Viagem

(JA, Dez18)

Words: 2763

MARCADORES: MUSEUS, QUADROS FAMOSOS,      WASSILY , AMEDEO EDWARD , PETER PAUL , CLAUDE MONET,