Na indústria criativa, artesãos estão entre os mais prejudicados pela pandemia

Com baixa inclusão digital e longe de centros de consumo, comunidades ficam sem renda

 

Mestra ceramista Maria José Gomes da Silva, Turmalina-MG 

A pandemia arrebentou o negócio de Maria Aparecida das Graças Oliveira. Tecelã de Turmalina-MG, no Vale do Jequitinhonha, ela viu as vendas secarem após o cancelamento das feiras nacionais de artesanato, principal meio de escoar sua produção.

Na associação local de artesãs que ajudou a fundar há 28 anos, viu muitas colegas na mesma situação. ‘A gente não parou de trabalhar, só parou de vender’, diz. ‘Está todo mundo desmotivado. A gente viajava o mundo levando produtos; hoje, a gente está parada e não sabe até quando’.

A loja mantida pelas associadas ficou fechada durante quatro meses, por não ter como pagar as despesas fixas. Hoje, está aberta por meio período, mas os itens de cama mesa e banho que elas produzem quase não são vendidos. Com a perspectiva de suspensão do auxílio emergencial do governo -para muitas tecelãs, a única renda fixa nos últimos nove meses-,  2021 promete ser ainda mais duro.

‘A tendência é que as vendas piorem, com a segunda onda. A situação das famílias vai complicar. A gente não tem planejamento para resolver isso, não’.

Para muitos outros artesãos, a insegurança financeira foi regra em 2020. Levantamento do Itaú Cultural feito a partir de dados da Pnad Contínua, do IBGE, mostra o artesanato como o segundo setor da economia criativa mais afetado pela pandemia, tanto em números absolutos como proporcionalmente.

No primeiro e segundo semestres, atividades artesanais perderam 49,6% de seus postos de trabalho (atrás do mercado editorial, que perdeu 76,8%), o que corresponde a 132,8 mil empregos (atrás da moda, com 259 mil).

 

Giuliana e Gilvana Silva, artesãs da comunidade Vila Brasil, de Santarém-PA 

Sônia Carvalho, presidente da ONG Artesol, aponta uma conjunção de fatores para explicar esse impacto.

Para além da suspensão das feiras, o varejo, que antes comprava até 20% da produção dos artesãos, cortou gastos e deixou de buscar esses produtos. Houve artesãos que ficaram sem matéria-prima, já que muitas fábricas pararam e, quando voltaram, privilegiaram o fornecimento a clientes maiores. Por fim, todo o país perdeu poder de compra.

‘Nesse momento, ninguém está procurando comprar uma cesta ou toalha de mesa. Ninguém está preocupado em comprar nada supérfluo’.

Pesaram ainda a localização dessas comunidades tradicionais de artesãos (a maior parte está nas áreas rurais das regiões Norte, Nordeste e Centro-Oeste, enquanto o mercado consumidor se concentra no Sudeste e nas grandes capitais) e sua baixa inclusão digital.

Carvalho estima que, por esses dois motivos, os artesãos mais prejudicados tenham sido os indígenas. Na região Norte, que tem a maior população indígena do país, o artesanato corresponde a 38,6% da receita bruta da indústria criativa, a proporção mais alta no Brasil.

‘O ano foi péssimo em termos de mercado, mas pelo menos os artesãos puderam sobreviver com o auxílio que o governo deu’, diz. Uma pesquisa conduzida pela Artesol mostrou que entre 40 e 50% dos artesãos tradicionais receberam o benefício.

Nas contas de Carmem Pereira, outra tecelã de Turmalina-MG, a proporção de artesãs que pediram o auxílio na sua comunidade foi de 80%. ‘O governo não pode deixar o barco à deriva. Até que as coisas voltem à normalidade, há uma necessidade de os governantes continuarem pegando pela mão. Sozinho a gente não dá conta’, diz.

Além do auxílio, Carmen conseguiu captar recursos pela Lei Aldir Blanc, e se beneficiou de políticas públicas locais, como o projeto Arte Salva, do governo mineiro, que distribuiu cestas básicas para artesãos.

Nos últimos meses, projetos sociais da Universidade Federal de Minas Gerais e do CAV (Centro de Agricultura Alternativa Vicente Nica) também têm ajudado as comunidades.

A Lei Aldir Blanc foi acionada por muitas artesãs, mas contemplou uma minoria. Isso porque ela exige a Carteira do Artesão, documento emitido pelo governo que, num setor marcado pela informalidade, pouca gente tem.

Na ausência de apoio garantido do Estado, restam as saídas individuais. Carmen, que já revendia cosméticos para complementar a renda, fez desse seu ganho principal. Como são produtos de primeira ordem, desodorantes e sabonetes, não pararam de vender.

Já as artesãs que trabalham com barro na região tiveram a sorte, em março, de fechar parceria com a empresa Camicado para produzir uma linha de moringas, vasos e outros objetos domésticos. ‘Foi uma salvação, porque a maioria dos maridos das artesãs ficaram parados’, diz a artesã Terezinha Santos.

Com a crise, ela também passou a vender mais pela internet, mas reclama que, além das taxas cobradas pelos sites de vendas, o envio dos produtos por correio é caro e inseguro. ‘Para transportar as peças, a gente acaba pagando mais. Às vezes a gente manda, quebra, aí precisa repor. Complicou um pouco’.

O coordenador-geral de Artesanato e Empreendedorismo do Ministério da Economia, Fábio Silva, admite que ‘foi um ano diferente para todos". Responsável pelo PAP (Programa do Artesanato Brasileiro), que realiza as quatro maiores feiras do país, ele defende a continuidade dos eventos presenciais.

‘Uma peça de artesanato tem uma história, uma cultura, o artesão tem um porquê daquela produção’, afirma. ‘A história passada para o comprador, na feira, gera valorização muito maior do que para quem compra pela internet’.

 

Em 2020, apenas uma dessas feiras foi realizada, na primeira semana de dezembro. Feita em Belo Horizonte, teve tamanho reduzido (apenas dez estados) e, segundo Silva, foi ‘tranquila, segura e com nível considerável de venda’. (Segundo Cida Oliveira, ninguém da sua comunidade teve coragem de ir)

A pretensão, segundo Silva, é ampliar a parceria do órgão com o Sebrae para investir na capacitação digital dos artesãos, fazer um catálogo de produtos no site do governo e criar uma loja do programa no Mercado Livre. Ele ainda planeja lançar um aplicativo com orientações sobre exportação para os artesãos.

Para o artesão José Luís Ferreira, de Santos-SP, a priorização das vendas online na pauta do governo pode ser boa notícia —ele pensou em fazer uma loja digital para vender suas caixas de madeira, mas desistiu por ter ‘limitações com informática’. Ele, afirma, no entanto, que o artesanato já vinha passando por depreciação mesmo antes do vírus. ‘Ninguém dá muito valor, entendeu? E o material ficou muito caro, então não tem retorno’.

 

 

 

Fonte: Laura Castanho   |  FSP

 

(JA, Dez20)

Bailarinas de Degas no Masp fogem da delicadeza e mostram sua face mais crua

Conjunto de 73 bronzes do impressionista francês ganha novas leituras ao ser retratado pela artista Sofia Borges

 

Uma fotografia cobre, de fora a fora, a parede que abre a exposição do impressionista francês Edgar Degas em cartaz no Masp agora. Nela, uma menina aparece de olhos fechados, o rosto coberto de dourado. Sua expressão flutua entre a vulnerabilidade absoluta, e a concentração de alguém que tenta, com todos os músculos do corpo, manter a mesma posição.

Quem vê a imagem talvez não perceba que ela pertence à escultura mais célebre de Degas, ‘Bailarina de 14 Anos’, associada, como tantas outras obras do artista, à delicadeza, à feminilidade.

Mas o retrato cru, algo grotesco, que a artista Sofia Borges fez da escultura talvez seja mais fiel à realidade das bailarinas do século 19 do que aquela do nosso imaginário, diz Fernando Oliva, à frente da exposição ao lado de Adriano Pedrosa, o diretor artístico do museu.

Afinal, afirma Oliva, na época de Degas as bailarinas eram meninas pobres, muitas delas filhas de mães solteiras. Ficavam íntimas da dor desde cedo, entrando nas companhias aos seis anos de idade.

Pior, viviam num limiar perigosamente próximo da prostituição, uma vez que dependiam do patrocínio de frequentadores da Opéra para se manter. Historiadores suspeitam, inclusive, que este tenha sido o destino da modelo de ‘Bailarina de 14 Anos’, Marie van Goethem. 

Escultura 'Bailarina de 14 Anos', do impressionista francês Edgar Degas 

Esse contexto fez com que a primeira exibição pública da escultura, num salão oficial em 1881, fosse desastrosa. Oliva diz que a opção de Degas por retratar uma menina pobre, da periferia parisiense, foi recebida com choque pelo público, aristocrata como ele.

O escândalo foi tal que Degas nunca mais expôs outra peça do tipo. Todas as outras 72 esculturas que compõem a mostra agora foram fundidas em bronze depois da sua morte, a partir de moldes de cera encontrados no seu ateliê.

As peças integram o acervo do Masp, todas compradas nos anos 1950. Só três outras instituições no mundo têm séries completas como esta —o D'Orsay, em Paris; o Metropolitan, em Nova York, e a Glyptoteket, em Copenhague.

Oliva afirma que a mostra, com outros dois trabalhos de tinta pastel e uma pintura do acervo, reuniria outras 14 telas a óleo do artista, emprestadas por museus internacionais. Mas a pandemia impediu o trânsito delas.

Mesmo assim, o conjunto de esculturas, exposto pela última vez no museu há quase 15 anos, impressiona. Em bronze e medindo em média 50 centímetros, elas foram agrupadas em estantes de acordo com temas —há bailarinas rodopiando, cavalos trotando, mulheres lavando, passando, colhendo frutas e performando rituais de toalete que tinham acabado de surgir.

Oliva afirma que Degas era atraído por essas ações porque elas não só permitiam estudar o movimento, como também observar as mudanças sociais em curso na época, ‘mesmo que não fosse um ativista’.

É esse olhar social sobre o impressionista francês, aliás, que o museu pretende lançar com a exposição de agora –em parte no catálogo, com lançamento em breve, que analisa aspectos controversos da produção do artista, em geral negligenciados, e em parte por meio das fotografias de Borges, exibidas nos cavaletes de vidro projetados por Lina Bo Bardi, e intercaladas entre as estantes de esculturas.

 

'Dança Escultórica 6', foto  Sofia Borges da série 'Ensaio para Degas', 2020 

Nelas, as bailarinas de Degas aparecem iluminadas por luzes duras —na realidade, as próprias lâmpadas do museu—, suas peles marcadas por sulcos. Algumas alongam braços, pernas, costas, seus pedestais de bronze cortados da composição de modo a ‘registrar sua potência dançante’, segundo Borges. Já a ‘Bailarina de 14 Anos’ aparece cercada de sombras e vultos, efeito dos reflexos no seu invólucro de vidro.

O interesse museológico de Borges, fotógrafa premiada, e uma das curadoras-artistas da última Bienal de São Paulo, vem de longe. Por sete anos, ela explorou com suas lentes detalhes de pinturas, objetos arqueológicos, animais empalhados, buscando entender uma relação entre matéria, representação e imagem que, ela argumenta, é ainda mais complexa nessas instituições.

‘Ali, um vaso representa o seu próprio tempo, o artista que o fez, a distância entre ele e o tempo de hoje, um povo inteiro. Ele parece ter uma espessura de significado, diferente da de um vaso da minha casa.’

Nos últimos tempos, porém, ela passou a nutrir um interesse pelo gesto —e, portanto, a dança.

Oliva, o curador, conta que percebia que Borges usava a câmera para olhar para os bronzes de Degas. A fotógrafa assente.

‘Não olho a coisa, mas a imagem da coisa.’

Fonte: Clara Balbi   |  FSP

 

(JA, Dez20)

31ª Feira Nacional de Artesanato 2020

 

O Brasil não conhece o Brasil! Esta é uma grande verdade. Não por falta de interesse do brasileiro, mas pela grandiosidade de nosso país.

E a Feira Nacional de Artesanato (Expominas - Avenida Amazonas, 6200 - Bairro Gameleira, Belo Horizonte – MG), vem justamente fazer uma tentativa de mudar isso durante seis dias - levar um pouco de conhecimento aos mais de 140.000 visitantes do que existe de melhor e mais interessante em nosso país. Serão sabores, produtos e informações sobre a potencialidade de nosso território.

Nos seus 31 anos de existência, a Feira Nacional sempre fez questão de ser sempre uma grande escola e um local onde os visitantes possam conhecer a diversidade cultural e gastronômica e nosso país.

Haverá, também, stands de parceiros com programação especial, como a Ilha do Conhecimento, organizada pelo Ministério da Economia, por meio do Programa de Artesanato Brasileiro (PAB). Ela vai oferecer cursos e palestras de capacitação para artesãos e visitantes.

Em outro espaço, uma área de 1104 metros, com artesanato de todo o Brasil, assinado pelo Sebrae Nacional e pelo Centro De Referência Do Artesanato Brasileiro (CRAB). Já o Brasil de Norte a Sul é um espaço do Ministério do Turismo, mostrando as belezas naturais e pontos turísticos nacionais. A Secretaria de Estado de Cultura e Turismo (SECULT) também vai apresentar 18 circuitos turísticos de Minas Gerais. E o Espaço Índios, terá a presença de mais de 10 etnias de todo o país.

Protocolo sanitário 

Em razão da pandemia, a edição deste ano vai obedecer a um rigoroso protocolo sanitário, com medidas para prevenção da COVID-19, definido em parceria com a prefeitura de Belo Horizonte. O objetivo é garantir a segurança de todos os visitantes e artesãos presentes

Totens com álcool em gel 70% serão disponibilizados por todo o pavilhão do Expominas. Haverá uma higienização prévia de todo o material de montagem e mercadorias do evento, aferição de temperatura dos visitantes e dos expositores, uso de QR Codes para evitar troca de cartões de visitas.

A degustação nos stands de gastronomia será proibida, a não ser daqueles alimentos embalados individualmente. A capacidade de visitantes será reduzida, com controle do total máximo de público simultâneo no local, além da exigência do uso correto das máscaras. Para garantir o distanciamento social, a feira terá ainda uma nova configuração, com maior espaçamento entre os stands e mais ruas de circulação dentro dos pavilhões.

Novidade

Feira Nacional de Artesanato Virtual - Feira 365 Dias

A grande novidade este ano será que o evento não encerra dia 6 de dezembro, ele será gravado 360 graus, todos os stands, de forma que o internauta poderá fazer uma visita virtual no evento real, passear pelos stands, fazer contato com o artesão de acordo com as informações que este disponibilizar, comprar dele direto.

Isto de dezembro de 2020 até novembro de 2021!

Esta forma de apresentação será diferente do que tem sido feito, como um evento hibrido, com cenários virtuais, onde se coloca os produtos. Na Feira Virtual não, será uma gravação real, onde no estilo visita a museus e Google Street Views, o visitante terá a sensação de estar realmente visitando o evento.

Esta plataforma, além de disponibilizar o artesão e seus produtos por 12 meses, servirá também para prospecção no mercado internacional.

 

(JA, Dez20)

Tarsila reforça escalada no mercado de arte com esboços beirando o R$ 1 milhão

 Enquanto seus desenhos custam a partir de R$ 40 mil, tela de sua fase áurea foi posta à venda por R$ 38 milhões em feira

 

Autorretrato de Tarsila do Amaral de 1923, também conhecido como 'Manteau Rouge'

 

Havaianas, imãs de geladeira, cadernos e até filme para crianças. Tarsila do Amaral está em todas. Pop e a preços cada vez mais estratosféricos, desde que o MoMA de Nova York comprou sua tela ‘A Lua’ por uma cifra próxima dos US$ 20 milhões, no ano passado.

‘Idílio’, pintura com as cores fortes e os traços curvos característicos da modernista brasileira, foi posta à venda por US$ 7 milhões, ou cerca de R$ 38 milhões, na edição nova-iorquina da tradicional feira de arte Tefaf, realizada na semana passada.

 

‘A Negra’, 1923

 

Neste sábado (14), em um museu de Itu, no interior de São Paulo, será inaugurada uma exposição com 200 de seus desenhos, cada um podendo valer de R$ 40 mil a R$ 1 milhão, caso de um estudo de ‘A Negra’, obra de 1923, a primeira no processo de seu reconhecimento internacional.

A coleção reúne desenhos com estudos e anotações para suas futuras obras, feitos entre os anos 1910 e 1940. Inclui, portanto, seu período áureo, de 1923 a 1933, quando, além de ‘A Negra’, pintou ‘Abaporu’, ‘A Lua’, ambas de 1928, e ‘Operários’, de 1933. Foi recém-adquirida pelo artista plástico, empresário e colecionador Marcos Amaro, 36, que investiu mais de R$ 200 milhões, incluindo essa coleção, no museu Fama (Fábrica de Artes Marcos Amaro), em que acontecerá a exposição.

Os desenhos haviam sido vendidos por um marchand em 1970 ao empresário Oscar Fakhoury, que os manteve guardados, sem acesso ao público e a pesquisadores. Com a sua morte, sua viúva negociou a venda a Amaro, através da galeria Almeida & Dale, segundo o colecionador. ‘Eu já havia flertado com várias obras da Tarsila, mas as negociações não avançaram. Quando soube desses desenhos, fiquei apaixonado pela ideia de adquirir um conjunto tão representativo do percurso da artista’, diz Amaro.

Após a compra, o colecionador achou que seria preciso um complemento na trajetória da modernista. Por meio de um marchand, adquiriu mais dois desenhos da fase antropofágica de Tarsila —a mais conhecida do público, marcada por ‘Abaporu’—, e outro galerista o levou a um exemplar do período no qual a pintora esteve na União Soviética, quando se casou com o psiquiatra, crítico de arte e comunista Osório César e desenvolveu suas obras de viés político, cujo grande exemplar é ‘Operários’.

 

Operários

 

Amaro, apesar de não falar sobre o valor que pagou por esses três desenhos e pela coleção, dá parâmetros: ‘No mercado, os desenhos menos representativos da Tarsila valem entre R$ 40 mil e R$ 50 mil. E um estudo de ‘A Negra’ [como o que faz parte da coleção] foi vendido por quase R$ 1 milhão. Apesar disso, eu não comprei com o interesse comercial, especulativo, quero que a coleção faça parte do acervo do Fama para ser vista pelo público e para basear estudos e pesquisas’, afirma o colecionador.

Para Amaro, Tarsila,1886-1973, ‘teve uma defasagem’ na valorização mercadológica, o que mudou desde que o MoMA adquiriu ‘A Lua’. ‘Um movimento como esse cria uma legitimidade da artista para o mercado, é um endosso para um resgate histórico’.

 

‘Tarsila Popular’, MASP, 2019

 

Ele menciona também a exposição ‘Tarsila Popular’, realizada pelo Masp no ano passado, que bateu o recorde histórico do museu, com mais de 402 mil visitantes fazendo filas e tirando selfies em frente às obras, destronando uma lista formada por Monet, Picasso e Salvador Dalí. ‘Isso a popularizou muito. Ela acaba virando um ícone pop, como Frida Kahlo,1907-1954. A vantagem da Frida em relação à Tarsila, em relação a essa popularização, é a proximidade do México com os Estados Unidos’, analisa.

Uma das maiores especialistas em Tarsila, com quem teve contato, a crítica de arte Aracy Amaral, 90, diz que esse movimento em relação à artista está diretamente relacionado ao crescimento do mercado da arte.

Na década de 1960, Aracy realizou pesquisa na casa de Tarsila, na rua Albuquerque Lins, em São Paulo, onde catalogou os 200 desenhos que agora chegam à exposição do Fama, da qual é curadora. Em 1969, organizou ‘Tarsila – 50 Anos de Pintura’, no Museu de Arte Moderna do Rio, mostra relevante na construção do reconhecimento da modernista. À época, lembra Aracy, Tarsila vendeu algumas de suas obras. ‘Era um dinheiro suficiente para cuidar da sua casa e viver bem. Mas não tinha a noção da valorização das suas obras’, lembra Aracy.

 

‘A Lua’

 

Se a evolução do mercado de arte ajudou Tarsila a se consolidar no país, o marco de sua valorização internacional foi a aquisição de ‘A Lua’ pelo MoMA, afirma Paulo Kuczynski, 72, que intermediou a venda. ‘Com isso, ela passou do patamar do modernismo brasileiro para o do modernismo internacional’, avalia o galerista, que diz saber de outras instituições interessadas em adicionar Tarsila a seus acervos.

É um sinal de que a escalada de preços não deve arrefecer nos próximos anos. Até porque, diz Kuczynski, a última grande venda sempre inaugura uma nova faixa de valores, mesmo que a obra em negociação não seja tão aclamada quanto ‘A Lua’.

À frente das negociações de ‘Idílio’ iniciadas na Tefaf, o galerista Thiago Gomide, 42, afirma que o quadro, de uma fase em que a artista retratou a vida interiorana brasileira, já atraiu o interesse de colecionadores dos EUA, da Inglaterra e da China.

 

'Idílio', 1929, pintura de Tarsila do Amaral exibida pela galeria Bergamin e Gomide na feira online Tefaf, Nova York, 2020 

Ele torce para que a pintura de traços arredondados, que mostra um casal de namorados em uma fazenda, seja adquirida por um museu internacional. Segundo Gomide, Tarsila foi muito beneficiada por uma tendência recente dessas instituições de revisar as suas coleções de modo a incluir mais trabalhos de mulheres, negros, latinos. ‘A venda para o MoMA criou um precedente muito importante, em que instituições passaram a se sentir confortáveis para pagar valores altos em um quadro como esse’, diz.

Esse fato, aliado à raridade de telas da fase mais valorizada de Tarsila —menos de 50—, deve continuar a projetá-la. ‘E a valorização ainda crescerá porque esse movimento de igualdade de gênero está só começando. A Tarsila acabou se tornando um ícone que todos conhecem, crianças, trabalhadores de todas as classes. Criou uma identidade brasileira, é a cara do Brasil, da mesma forma que a Frida é a do México’, diz Gomide.

Doutora em estética e história da arte pela USP, Regina Teixeira de Barros, 54, curadora da exposição dos desenhos no Fama e que já organizou mostras da artista na Pinacoteca e no Malba, na Argentina, onde está o ‘Abaporu’, também acredita que esse discurso de gênero ajude a fazer de Tarsila uma artista expoente. Características de sua obra, como as formas reduzidas e o colorido, têm apelo com o público, trazem uma facilidade de acesso. ‘É muito fácil gostar da Tarsila’, diz a historiadora.

Kuczynski concorda: ‘Ela é tão Brasil, tão caipira, suas cores, suas formas... É tudo muito sedutor. Tem a dimensão de sonho com a qual as crianças se identificam’.

 

É na identificação com o público infantil a aposta o filme de animação ‘Tarsilinha’, da PinGuim Content, criadora dos desenhos animados ‘Peixonauta’ e ‘O Show da Luna!’.

No longa-metragem, em fase de finalização, a garota Tarsilinha envolve-se em uma aventura em um mundo repleto de figuras, personagens e cenários das obras de Tarsila. Entraria em cartaz nos cinemas neste ano, o que foi adiado em razão da pandemia. A produtora lança nesta sexta-feira (13) um clipe do filme, com música de Zeca Baleiro, que canta no refrão: ‘Tarsilinha não tem medo, leva na mochila coragem sem fim’.

É um perfil ideal para protagonistas femininas dos novos tempos, inclusive as princesas da Disney. E que tem tudo a ver com a heroína da vida real que a inspirou. 

Fonte: Laura Mattos e Clara Balbi   |   FSP

 

(JA, 13-Nov20) 

 

Egon Schiele

 

Egon Schiele, 1890-1918

 

Aos 16 anos, Egon Schiele, foi admitido na Academia de Belas Artes de Viena, patrocinado por ninguém menos que Gustav Klimt, e com 28 anos deixou uma numerosa obra tão escandalosa quanto sua vida, em uma sociedade de moral católica quase medieval.

Egon Schiele foi um Artista completamente fora de seu tempo. Ele não entendia a sociedade que o cercava, nem aqueles que estavam em seu ambiente tinham facilidade com ele.

Junto com Kokoschka, ele é o maior representante do expressionismo  vienense.

Do Neukunstgruppe (New Art Group) formulou com outros Criadores, uma linguagem estética da falta de preconceito, e uma luta contra todo idealismo suspeito de encobrir o real com o engano.

 

Sitting woman with legs drawn up

 

Em 1910, dá-se a sua passagem ao Expressionismo, com um novo cromatismo que contrapõe o naturalismo e o dominante Jugendstil vienense com novos temas, como o nu erótico e, sobretudo, o Autorretrato.

O Autorretrato de Dürer, passando por Rembrandt e chegando a Van Gogh, foi caracterizado por uma individualidade sempre identificável, mas pela primeira vez, em Schiele, vemos uma despersonalização, que, paradoxalmente, ao se mostrar e se ver como ‘outro’, confirma a identidade própria. Eu.

Partindo do mito de Narciso e chegando ao ‘estágio do espelho’ de que falava Lacan.

Talvez como uma tentativa de superar os primórdios de seu Pai, esta necessidade de reafirmação aparece, mas com um espelho distorcido, quase como o de Dorian Gray, cúmplice de Jekill e Hyde.

Em abril de 1912, ele foi preso sob a acusação de pedofilia e sequestro de menores. As acusações são falsas, mas ele permanece na prisão por 3 semanas. Em seguida, ele captura e registra essa experiência traumática na famosa série da prisão.

Em junho de 1915, casa-se com Edith Harms, e então, sua Arte Expressionista dá lugar a uma abordagem mais próxima da natureza, que se reflete principalmente em seus nus femininos, e retratos, cada vez mais realistas.

 

Female Lovers

 

Após a morte inesperada de Gustav Klimt, no início de 1918, Schiele é considerado seu herdeiro legítimo na cena artística de Viena.

Entretanto, no auge de seu sucesso, ele morrerá no mesmo ano.

 

Fonte: AAC  |  WP

 

(JA, Out20)

 

Vânia Oliveira, a artesã alagoana ganhou título ‘mestre imortal'

A artesã alagoana Vânia de Oliveira Santos,  tornou-se Mestre Imortal do Brasil

Aos 63 anos e 38 de ofício, a artesã alagoana Vânia de Oliveira Santos tornou-se Mestre Imortal do Brasil, título conferido em setembro pela seção brasileira da IOV World (Organização Internacional de Folclore e Artes Populares), filiada à Unesco (Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura).

O trabalho de Vânia Oliveira tem como principal motivo os folguedos de Alagoas, na busca de manutenção da história e das danças folclóricas. O colorido chapéu de guerreiro é a sua marca. A peça, rica em referências locais, já lhe deu o título de patrimônio vivo de Alagoas em 2015 e, em 2020, o de mestra artesã.

A mãe e a avó eram bordadeiras e costureiras, mas ela achava que não tinha jeito para trabalhos manuais. ‘Eu gostava mesmo era de jogar bola. Fui da primeira seleção alagoana de basquete’.

Vânia abandonou o esporte e casou-se aos 17 anos. Reconheceu a vocação pela arte ao fazer lembranças de aniversário da filha mais velha, e os jogos e brinquedos pedagógicos para a escola que a irmã dirigia.

Escolheu o tema folguedos, que são festas populares que fazem parte do folclore no Nordeste, envolvendo música, dança e teatro. ‘Sempre gostei dos folguedos. Eu brinquei pastoril e guerreiro, mas meu pai não gostava, então eu brincava na escola, onde ele não via’.

 

      Bumba meu boi, um dos símbolos do folclore no Norte e Nordeste do país presentes na obra da artista

Manter viva a cultura passou a ser prioridade. Produzir as peças, no entanto, era pouco. Ela passou a ensinar o ofício. ‘Sinto que através do repasse eu não deixo a cultura morrer, e sei que meus alunos serão mestre. Já tenho aluno mestre’. Para aperfeiçoar a didática, decidiu fazer curso superior à distância, e formou-se em pedagogia aos 52 anos.

Decidiu trabalhar pela valorização do artesão, chegou à presidência da Falarte (Federação dos Artesãos de Alagoas), participou da construção do Plano Nacional do Artesanato, do extinto Ministério da Cultura, em 2010, e contribui , junto a pesquisadoras da UnB (Universidade de Brasília), no Estudo do ecossistema de inovação do artesanato.

 

Mestre Vânia trabalha com o tema dos folguedos

Mestre Vânia afirma que a sua principal preocupação hoje é com a sobrevivência do artesão, agravada pela pandemia. ‘Fomos os primeiros a parar, e seremos os últimos a voltar. Durante o ano são realizadas quatro feiras nacionais, e até o momento não houve nenhuma. Se houver uma no final do ano, como o artesão vai participar? Que incentivo recebemos?’.

Mas ainda há espaço para mais planos. ‘Meu sonho é ver o reconhecimento do artesão. O artesanato é valorizado, mas o artesão precisa de reconhecimento. O artesanato faz parte da cadeia produtiva do turismo. Por isso tem que se ter um olhar para esse profissional’.

O título de mestre imortal é concedido a artesãos reconhecidos e outorgados com títulos de Mestres da Cultura Popular em suas localidades. ‘Serve de incentivo a milhares de mestres deste Brasil que estão por aí se empenhando para não deixarem desaparecer a cultura de seus antepassados’, afirma o presidente da organização no Brasil, Clerton Vieira.

 

 

Fonte: Kátia Vasco   |  FSP

 

(JA, Out20)

 

Arte Roubada

Alex Katz criou um mundo sem sobras em telas que viriam à Bienal de São Paulo, mas a pandemia atropelou todos os planos. A exposição agora é só virtual 

Uma mulher mais velha ajeita um blusão rosa com uma expressão de aconchego no rosto. Dois amantes se abraçam com ternura em meio às árvores. Poucas folhas amareladas pelo frio do outono caem no asfalto cinzento.

Quem observa essas telas plácidas e de atmosfera ‘cool’ de Alex Katz não imagina que um dos principais nomes da pintura da atualidade tem um humor bastante ácido.

‘Você não quer fazer algo que pareça velho. Eu quero fazer algo que pareça novo em folha. E, para as pessoas que gostam de coisas velhas, pintar coisas novas é raso’, afirma, meio sério e meio irônico, em entrevista pelo Zoom.

Nas suas telas, o pintor nova-iorquino congela num eterno presente o cotidiano que vive na ilha de Manhattan —a convivência com os amigos, familiares, e com a mulher Ada, que já foi retratada por ele algumas centenas de vezes.

 

‘Lisa e Brooks’, óleo sobre tela de 1995 

Outro tema recorrente são os arredores bucólicos de uma casa-ateliê no estado do Maine, próxima à uma praia, onde ele passa boa parte do tempo. Aos 92 anos, Katz afirma não acreditar em paraíso nem no amanhã radiante. ‘Não há passado, não há futuro, é só hoje’.

Um breve recorte de sua carreira de cerca de sete décadas está em exposição até o início de novembro no site da galeria Thaddaeus Ropac —são 30 telas de dimensões variadas selecionadas pelo seu amigo e crítico Robert Storr.

Mas essas obras deveriam estar agora no Brasil. Katz participaria da mostra principal da 34ª edição da Bienal de São Paulo, e também ganharia uma grande retrospectiva no Instituto Tomie Ohtake, na capital paulista, sua primeira na América do Sul. A pandemia e a alta do dólar forçaram a suspensão de ambos. ‘Não é a mesma coisa’, diz ele, sobre ver o seu trabalho na tela de um computador ou celular.

Precursor da pop art, Katz desenvolveu seu estilo nos anos 1950, depois de estudar na faculdade Cooper Union, em Nova York. Desprezando o ensinamento modernista que recebeu, decidiu fazer pinturas figurativas num momento em que os Estados Unidos se destacavam com os respingos abstratos de Jackson Pollock.

Mas, se as telas do expressionista abstrato inspiravam profundidade e contemplação, as de Katz, influenciadas pela estética dos outdoors publicitários e cenas de filmes, iam pelo caminho oposto, apostando na leitura fácil.

‘Eu cresci, sou um artista treinado, embora o meu trabalho não pareça assim para muita gente’, diz, refutando uma crítica comum a suas obras —a de que parecem terem sido feitas sem esforço.

Ser um pintor famoso foi algo consciente, ele diz que exigiu dele pensar muito sobre o ofício, e fazer coisas que se parecessem com a ideia de arte.

No colegial, notou que seus desenhos de moldes de estátuas, aos poucos, se tornaram melhores do que o de seus professores, o que o estimulou a levar a carreira a sério.

‘Eu não tinha nenhuma confiança, mas trabalhei duro e pensei que se eu posso me tornar tão bom vindo do nada, em 20 anos vou fazer algo realmente bom. E consegui’.

A estética de Katz —personagens chapados e sem sombra, contra grandes blocos de cor— se manteve em grande parte inalterada, ao longo das décadas, independente do movimento artístico em voga. Atualmente, parece fazer sentido num ambiente saturado de imagens. Ele se diz contente por ‘ser parte dessa saturação’, e afirma apreciar um mundo que se torna cada vez mais visual, e menos verbal, nas suas palavras.

Laura,  2017 

Outra característica de sua obra é a ausência de motivos explicitamente políticos. Desde adolescente, ele diz nunca ter gostado de arte engajada, porque a considera barata, e uma forma de rebaixar a pintura, como se alguém estivesse perguntando de forma obsessiva se o observador entende o que está representado ali.

Quando era estudante, ele recusou o convite de um professor para participar de uma mostra de arte politizada numa galeria importante —chance que a maioria dos jovens não desperdiçaria, conta.

Toda essa aversão talvez explique a sua total falta de cerimônia ao estraçalhar a pintura contemporânea americana. ‘Essencialmente decorativa’, diz ele, sobre a obra do artista negro e gay Mark Bradford, que representou os Estados Unidos na Bienal de Veneza de 2017, com um trabalho crítico ao presidente Donald Trump. ‘Suas telas grandes vão bem com tapetes brancos’.

Por outro lado, Katz afirma que foi uma covardia o recente cancelamento de uma exposição de seu contemporâneo Philip Guston, que traria uma série de telas do grupo racista Ku Klux Klan, pintadas no final da década de 1960.

‘Estamos em tempos reacionários. Cancelar uma exposição por um motivo político, é agir como covardes completos. Deixem a mostra de pé e digam a quem estiver protestando que vá para o inferno. Ponham todos eles atrás das grades se ainda fizerem algo’.

Em setembro, museus nos Estados Unidos, e no Reino Unido, anunciaram o adiamento de uma exposição de Guston, prevista para o ano que vem, alegando que esperam o momento certo para que a mensagem do pintor, um ativista antirracismo morto em 1980, ‘possa ser possa ser mais claramente interpretada’.

Katz passou uma parte dos últimos meses isolado na Pensilvânia, pintando, e diz que a pandemia proporcionou a ele ‘o melhor momento da vida’, já que, como todos os lugares estavam fechados, não precisava ir a nenhum canto.

Ele acha que o efeito da epidemia pode ser destruidor sobre a arte, dizendo acreditar que a pintura deve se tornar muito mais séria a partir de agora, refletindo o momento.

Questionado sobre o pleito americano do mês que vem, o artista responde com uma frase curta, às gargalhadas. ‘Bem, tive uma boa notícia hoje’. Poucas horas antes, Trump havia anunciado que estava infectado com o coronavírus.

MERCADO DE ARTE

Valor das obras

O trabalho de Alex Katz ainda é menos valorizado em relação a outros artistas de sua geração; o valor mais alto pago por uma obra sua foi cerca de US$ 4,1 milhões, ou R$ 22,8 milhões, ao passo em que o pioneiro da pop art, Jasper Johns, teve a pintura de uma bandeira vendida por US$ 36 milhões, ou cerca de R$ 200 milhões

Interesse recente

Um artigo de capa na revista suíça de art e Parket, em 1989, ajudou a reavivar o interesse pela obra de Katz, que ganharia diversas mostras na Europa e nos Estados Unidos nas décadas seguintes

Como se forma um pintor

Segundo Katz, pintar é uma atividade comunitária, e novos artistas se desenvolvem em contato com outros, não de maneira isolada, o que faz com que jovens se mudem para Nova York em busca de referências.

Cenário difícil

Muitos pintores voltam para suas cidades de origem, diz Katz, com os sonhos destruídos, pois não conseguem espaço em um mercado que se tornou corporativo e estagnado, dificultando bastante a entrada de jovens artistas

 

SOUP TO NUTS - THE SÃO PAULO BIENAL PROJECT

Quando Até 7 de novembro

Onde ropac.net/online_exhibitions

 

Homenagem a Utamaro, 2008

 

Fonte: João Perassolo   |  FSP

 

(JA, Out20)