sábado, 9 de janeiro de 2021

Juarez Machado

 

Juarez Machado e sua obra 'O Circo', no pórtico de entrada do Centreventos Cau Hansen, Joinville-SC


Lançada em 2001, a comédia romântica francesa ‘O Fabuloso Destino de Amélie Poulain’ encantou o público com a história de uma jovem que tenta ajudar as pessoas à sua volta. Além de ter sido indicado a cinco Oscars, entre eles o de melhor filme em língua estrangeira, direção de arte e fotografia, o longa lançou ao estrelato a atriz Audrey Tautou.

Poucos sabem, no entanto, que as cores fortes e vibrantes do longa foram inspiradas no trabalho do pintor brasileiro Juarez Machado, 79 anos, que há 35 vive em Paris.

Em entrevista Machado contou como conheceu o diretor do filme, Jean-Pierre Jeunet. Segundo ele, no início dos anos 2000, o cineasta fez uma visita à sua galeria na capital francesa, pois morava próximo ao local, no bairro de Montmartre, onde se passa ‘Amélie Poulain’. ‘A primeira coisa que ele fez foi comprar um quadro meu, de uma mulher agarrando um homem na escada. Ele adorou a minha paleta, que não tem tantas cores primárias, uso sempre tons mais fechados. Então o Jeunet me pediu livros, imagens, tirou fotos e levou para a equipe dele’, conta o pintor, que é de Joinville-SC, e fazia um quadro de mímicas no ‘Fantástico’, da Globo, nos anos 1970.

‘Na época do filme, eu estava fazendo 60 anos, com uma exposição chamada O Libertino, que reunia 60 pinturas e 40 desenhos com temas eróticos’, explica Machado.

Algumas obras do pintor estão, inclusive, presentes no cenário do filme. ‘Do lado da cama da Amélie, no quarto, há dois quadros meus, de uma mostra que fiz batizada de A Festa Continua’, revela o artista, que gosta de trabalhar com temáticas bem definidas. 


Cena do filme "O Fabuloso Destino de Amélie Poulain' (2001). Os dois quadros vistos nas laterais do quarto de Amélie, acima das cabeceiras, são pinturas de autoria de Juarez Machado


O artista e o diretor de ‘Amélie Poulain’ acabaram virando grandes amigos, de ‘trocar figurinhas’ e almoçar juntos com frequência. ‘Depois [em 2004], ele ainda fez outro filme baseado nas minhas cores, chamado Eterno Amor, com a mesma atriz’, lembra Machado.

‘Até hoje nos vemos, lhe dei algumas gravuras, o escritório dele fica na rua atrás da minha. Temos uma amizade muito honesta. Vi todos os filmes dele, e ninguém se aproveitou de ninguém’, aponta. ‘Nossa identidade em comum vem dessa coisa meio surrealista, que mistura humor e surpresa’, destaca o pintor.

Segundo depoimento do diretor, nos extras do DVD do filme, a narrativa gira em torno de uma história positiva, razão pela qual ele queria uma ‘explosão de cores’. Em alguns takes, como em cenas externas do café e dentro do metrô, as imagens foram saturadas para o verde na pós-produção – trabalho minucioso que rendeu ao longa indicações ao Oscar, ao Bafta e ao César, de melhor fotografia. 


 

Além de contrastes, longa usa cores para destacar cenas, como o azul do abajur 


‘Ele [Machado] usa bastante vermelho e verde, mas sempre há, em algum local da pintura, uma outra cor. Geralmente azul, ou amarelo bem brilhante, ou branco. Assim, a obra fica com um visual equilibrado. Nós usamos muito isso’, diz o diretor de fotografia do filme, Bruno Delbonnel, também nos extras do DVD. ‘

Quando [em uma das cenas] ela [Amélie Poulain] está cortando as cartas bem rápido, há um abajur azul [foto acima], e o resto é todo amarelo, verde e vermelho. Não ficaria bom sem o azul. Mas não [aplicamos esse recurso] em toda tomada, senão ficaria previsível’, completa Delbonnel.

No mundo do cinema, Machado ainda conquistou o ator norte-americano Jack Nicholson, e a eterna diva francesa Catherine Deneuve. ‘Ele [Nicholson] me ama de paixão. Comprou dois quadros meus, encomendou mais dois e pediu para entregarmos pessoalmente em Los Angeles. Já a Catherine tem umas quatro obras minhas’, conta o brasileiro.


Bicicletas   

Além das cores, os trabalhos do pintor catarinense são marcados pela presença de figuras humanas, sempre lânguidas e meio andróginas, que parecem estar entre o fim do século 19 e o início do 20. A maioria de seus personagens é retratada em momentos de lazer, na praia, em festas ou andando de bicicleta. 


‘Operários do Itaum’, a primeira obra premiada de Juarez Machado 


A referência às duas rodas vem da infância do artista, pois Joinville foi por muito tempo conhecida como a ‘Cidade das Bicicletas’. Sua primeira tela premiada, inclusive, foi ‘Operários do Itaum’, que mostra dezenas de funcionários de fábricas indo para o trabalho de bicicleta, sob a chuva.

‘Venho de uma cidade industrial que já deteve a marca de duas bicicletas por habitante. Era normal ver até 5 mil pessoas pedalando juntas na entrada e saída das indústrias. Eu já desenhava essas cenas aos 6, 7 anos. Mas, como não queria trabalhar na fábrica, fui estudar artes em Curitiba, aos 18 anos’, lembra o pintor, cujo pai era caixeiro-viajante e a mãe pintava leques de seda

‘Ser artista naquela época era estranho, bobagem, não tive apoio de ninguém, exceto do meu pai, que era um homem com a cabeça mais aberta, tinha noção do mundo além do horizonte’, recorda Machado, que a partir do curso na capital paranaense começou a aparecer na Rede Tupi, fez amizade com personalidades como Ary Fontoura, mudou-se para o Rio de Janeiro, Londres, Nova York e, finalmente, Paris. ‘Essa era a cidade que ditava a moda, era elegante, o francês era a língua da diplomacia. Cresci vendo essa cultura, muito mais a europeia que a americana, que só ganhou força no pós-guerra’, afirma.

O vínculo do pintor com o Brasil, porém, ainda permanece: ‘Fico três ou quatro meses em Paris, depois faço pingue-pongue entre Rio, Joinville, Floripa e Curitiba, durante esse mesmo período. Não tenho mais casas, tenho ateliês’, diz Machado.

Além de manter um estúdio na capital francesa e outro no Rio, o pintor tem telas, desenhos e esculturas em duas galerias de Paris, outra em Béziers, no sul da França, e mais uma em Bruxelas.

‘Viajo com 200 quilos de material e uma cueca no corpo’, brinca. ‘Trago tintas que não existem aqui, bons papéis, quadros, desenhos, livros, pincéis’, enumera o artista, cujos quadros chegam a custar até US$ 50 mil (R$ 150,3 mil), dependendo do tamanho, e não costumam ir a leilão, por receio de que os preços sejam colocados num patamar muito baixo e o autor ‘queime o filme’.


Instituto


Instituto Internacional Juarez Machado, Joinville-SC

Além de dar nome a prédios de Joinville, Florianópolis e Curitiba, e também a um teatro de sua cidade natal, em novembro de 2014, após dois anos de restauro, a casa onde o artista passou a infância e a adolescência virou o Instituto Internacional Juarez Machado, inaugurada com a exposição ‘A Bicicleta na Vida e Obra de Juarez Machado’.  

Fachada do Instituto Internacional 

‘Queriam derrubar, fazer prédio, me dar um apartamento. O que eu ia fazer com isso? Chamei um especialista para deixar o imóvel do jeito que era, com a mesma madeira, azulejo, porta, lâmpada. Também construí um pavilhão de exposições, mas fiz de tudo para não estragar o jardim que era da minha mãe. Protegemos as plantas, e lá estão os antúrios, camélias, jabuticabeira, goiabeira, bananeira’, cita. ‘As pessoas estão adorando, vão lá para namorar, bater papo, ver as obras’.

 

Quadros de Juarez Machado em exposição no Instituto Internacional 

Segundo o pintor, o instituto o ajudou a resolver sua maior angústia, que era encontrar um lugar para estocar seus 3000 quadros e 7000 desenhos. ‘Também tenho esculturas, objetos e quilômetros de cartas trocadas com o Drummond, Millôr [Fernandes], Vinicius [de Moraes], Tom [Jobim], Antônio Houaiss. Tenho desenhos desde os 3 anos de idade. É um patrimônio que acumulei desde os tempos de colégio, quando apanhava dos professores por desenhar na classe, mas já tinha feito a lição em casa, e só queria ganhar tempo para poder produzir mais’, diz Machado.

No instituto, o pintor também expõe obras de outros artistas catarinenses. Entre seus planos para o futuro, estão uma mostra com seus colegas paranaenses, dos tempos do curso em Curitiba, e outra para destacar o trabalho de grafiteiros locais.

‘Esses artistas deixaram de ser pichadores e viraram pintores de parede, no bom sentido. Pintar com bomba e spray é extremamente difícil, é complicado fazer com qualidade. E eles pegaram o jeito’, afirma. ‘Essa é uma arte ainda meio discriminada, que começou na periferia, com o [norte-americano Jean-Michel] Basquiat

Para Machado, um artista só se aposenta quando morre. ‘Achei que eu ia ter uma velhice tranquila para poder brincar com meus netinhos, deitar numa rede, conversar com os amigos, mas cadê tempo? É uma trabalheira danada, é um vício, estou numa competição comigo mesmo. Acordo às 5h e trabalho até as 22h todos os dias, não tem Natal, feriado’, relata o pintor, que tem três filhos e, desde 2005, está casado pela terceira vez.

 

 


Fonte: Luna D'Alama  UOL

 

 

(JA, Jan21)

 


 

domingo, 20 de dezembro de 2020

Na indústria criativa, artesãos estão entre os mais prejudicados pela pandemia

Com baixa inclusão digital e longe de centros de consumo, comunidades ficam sem renda

 

Mestra ceramista Maria José Gomes da Silva, Turmalina-MG 


A pandemia arrebentou o negócio de Maria Aparecida das Graças Oliveira. Tecelã de Turmalina-MG, no Vale do Jequitinhonha, ela viu as vendas secarem após o cancelamento das feiras nacionais de artesanato, principal meio de escoar sua produção.

Na associação local de artesãs que ajudou a fundar há 28 anos, viu muitas colegas na mesma situação. ‘A gente não parou de trabalhar, só parou de vender’, diz. ‘Está todo mundo desmotivado. A gente viajava o mundo levando produtos; hoje, a gente está parada e não sabe até quando’.

A loja mantida pelas associadas ficou fechada durante quatro meses, por não ter como pagar as despesas fixas. Hoje, está aberta por meio período, mas os itens de cama mesa e banho que elas produzem quase não são vendidos. Com a perspectiva de suspensão do auxílio emergencial do governo -para muitas tecelãs, a única renda fixa nos últimos nove meses-,  2021 promete ser ainda mais duro.

‘A tendência é que as vendas piorem, com a segunda onda. A situação das famílias vai complicar. A gente não tem planejamento para resolver isso, não’.

Para muitos outros artesãos, a insegurança financeira foi regra em 2020. Levantamento do Itaú Cultural feito a partir de dados da Pnad Contínua, do IBGE, mostra o artesanato como o segundo setor da economia criativa mais afetado pela pandemia, tanto em números absolutos como proporcionalmente.

No primeiro e segundo semestres, atividades artesanais perderam 49,6% de seus postos de trabalho (atrás do mercado editorial, que perdeu 76,8%), o que corresponde a 132,8 mil empregos (atrás da moda, com 259 mil).

 

Giuliana e Gilvana Silva, artesãs da comunidade Vila Brasil, de Santarém-PA 


Sônia Carvalho, presidente da ONG Artesol, aponta uma conjunção de fatores para explicar esse impacto.

Para além da suspensão das feiras, o varejo, que antes comprava até 20% da produção dos artesãos, cortou gastos e deixou de buscar esses produtos. Houve artesãos que ficaram sem matéria-prima, já que muitas fábricas pararam e, quando voltaram, privilegiaram o fornecimento a clientes maiores. Por fim, todo o país perdeu poder de compra.

‘Nesse momento, ninguém está procurando comprar uma cesta ou toalha de mesa. Ninguém está preocupado em comprar nada supérfluo’.

Pesaram ainda a localização dessas comunidades tradicionais de artesãos (a maior parte está nas áreas rurais das regiões Norte, Nordeste e Centro-Oeste, enquanto o mercado consumidor se concentra no Sudeste e nas grandes capitais) e sua baixa inclusão digital.

Carvalho estima que, por esses dois motivos, os artesãos mais prejudicados tenham sido os indígenas. Na região Norte, que tem a maior população indígena do país, o artesanato corresponde a 38,6% da receita bruta da indústria criativa, a proporção mais alta no Brasil.

‘O ano foi péssimo em termos de mercado, mas pelo menos os artesãos puderam sobreviver com o auxílio que o governo deu’, diz. Uma pesquisa conduzida pela Artesol mostrou que entre 40 e 50% dos artesãos tradicionais receberam o benefício.

Nas contas de Carmem Pereira, outra tecelã de Turmalina-MG, a proporção de artesãs que pediram o auxílio na sua comunidade foi de 80%. ‘O governo não pode deixar o barco à deriva. Até que as coisas voltem à normalidade, há uma necessidade de os governantes continuarem pegando pela mão. Sozinho a gente não dá conta’, diz.

Além do auxílio, Carmen conseguiu captar recursos pela Lei Aldir Blanc, e se beneficiou de políticas públicas locais, como o projeto Arte Salva, do governo mineiro, que distribuiu cestas básicas para artesãos.

Nos últimos meses, projetos sociais da Universidade Federal de Minas Gerais e do CAV (Centro de Agricultura Alternativa Vicente Nica) também têm ajudado as comunidades.

A Lei Aldir Blanc foi acionada por muitas artesãs, mas contemplou uma minoria. Isso porque ela exige a Carteira do Artesão, documento emitido pelo governo que, num setor marcado pela informalidade, pouca gente tem.

Na ausência de apoio garantido do Estado, restam as saídas individuais. Carmen, que já revendia cosméticos para complementar a renda, fez desse seu ganho principal. Como são produtos de primeira ordem, desodorantes e sabonetes, não pararam de vender.

Já as artesãs que trabalham com barro na região tiveram a sorte, em março, de fechar parceria com a empresa Camicado para produzir uma linha de moringas, vasos e outros objetos domésticos. ‘Foi uma salvação, porque a maioria dos maridos das artesãs ficaram parados’, diz a artesã Terezinha Santos.

Com a crise, ela também passou a vender mais pela internet, mas reclama que, além das taxas cobradas pelos sites de vendas, o envio dos produtos por correio é caro e inseguro. ‘Para transportar as peças, a gente acaba pagando mais. Às vezes a gente manda, quebra, aí precisa repor. Complicou um pouco’.

O coordenador-geral de Artesanato e Empreendedorismo do Ministério da Economia, Fábio Silva, admite que ‘foi um ano diferente para todos". Responsável pelo PAP (Programa do Artesanato Brasileiro), que realiza as quatro maiores feiras do país, ele defende a continuidade dos eventos presenciais.

‘Uma peça de artesanato tem uma história, uma cultura, o artesão tem um porquê daquela produção’, afirma. ‘A história passada para o comprador, na feira, gera valorização muito maior do que para quem compra pela internet’.

 

Em 2020, apenas uma dessas feiras foi realizada, na primeira semana de dezembro. Feita em Belo Horizonte, teve tamanho reduzido (apenas dez estados) e, segundo Silva, foi ‘tranquila, segura e com nível considerável de venda’. (Segundo Cida Oliveira, ninguém da sua comunidade teve coragem de ir)

A pretensão, segundo Silva, é ampliar a parceria do órgão com o Sebrae para investir na capacitação digital dos artesãos, fazer um catálogo de produtos no site do governo e criar uma loja do programa no Mercado Livre. Ele ainda planeja lançar um aplicativo com orientações sobre exportação para os artesãos.

Para o artesão José Luís Ferreira, de Santos-SP, a priorização das vendas online na pauta do governo pode ser boa notícia —ele pensou em fazer uma loja digital para vender suas caixas de madeira, mas desistiu por ter ‘limitações com informática’. Ele, afirma, no entanto, que o artesanato já vinha passando por depreciação mesmo antes do vírus. ‘Ninguém dá muito valor, entendeu? E o material ficou muito caro, então não tem retorno’.


 

 

 


Fonte: Laura Castanho   |  FSP


 

(JA, Dez20)


sexta-feira, 4 de dezembro de 2020

Bailarinas de Degas no Masp fogem da delicadeza e mostram sua face mais crua

Conjunto de 73 bronzes do impressionista francês ganha novas leituras ao ser retratado pela artista Sofia Borges


 


Uma fotografia cobre, de fora a fora, a parede que abre a exposição do impressionista francês Edgar Degas em cartaz no Masp agora. Nela, uma menina aparece de olhos fechados, o rosto coberto de dourado. Sua expressão flutua entre a vulnerabilidade absoluta, e a concentração de alguém que tenta, com todos os músculos do corpo, manter a mesma posição.

Quem vê a imagem talvez não perceba que ela pertence à escultura mais célebre de Degas, ‘Bailarina de 14 Anos’, associada, como tantas outras obras do artista, à delicadeza, à feminilidade.

Mas o retrato cru, algo grotesco, que a artista Sofia Borges fez da escultura talvez seja mais fiel à realidade das bailarinas do século 19 do que aquela do nosso imaginário, diz Fernando Oliva, à frente da exposição ao lado de Adriano Pedrosa, o diretor artístico do museu.

Afinal, afirma Oliva, na época de Degas as bailarinas eram meninas pobres, muitas delas filhas de mães solteiras. Ficavam íntimas da dor desde cedo, entrando nas companhias aos seis anos de idade.

Pior, viviam num limiar perigosamente próximo da prostituição, uma vez que dependiam do patrocínio de frequentadores da Opéra para se manter. Historiadores suspeitam, inclusive, que este tenha sido o destino da modelo de ‘Bailarina de 14 Anos’, Marie van Goethem. 



Escultura 'Bailarina de 14 Anos', do impressionista francês Edgar Degas 


Esse contexto fez com que a primeira exibição pública da escultura, num salão oficial em 1881, fosse desastrosa. Oliva diz que a opção de Degas por retratar uma menina pobre, da periferia parisiense, foi recebida com choque pelo público, aristocrata como ele.

O escândalo foi tal que Degas nunca mais expôs outra peça do tipo. Todas as outras 72 esculturas que compõem a mostra agora foram fundidas em bronze depois da sua morte, a partir de moldes de cera encontrados no seu ateliê.

As peças integram o acervo do Masp, todas compradas nos anos 1950. Só três outras instituições no mundo têm séries completas como esta —o D'Orsay, em Paris; o Metropolitan, em Nova York, e a Glyptoteket, em Copenhague.

Oliva afirma que a mostra, com outros dois trabalhos de tinta pastel e uma pintura do acervo, reuniria outras 14 telas a óleo do artista, emprestadas por museus internacionais. Mas a pandemia impediu o trânsito delas.

Mesmo assim, o conjunto de esculturas, exposto pela última vez no museu há quase 15 anos, impressiona. Em bronze e medindo em média 50 centímetros, elas foram agrupadas em estantes de acordo com temas —há bailarinas rodopiando, cavalos trotando, mulheres lavando, passando, colhendo frutas e performando rituais de toalete que tinham acabado de surgir.

Oliva afirma que Degas era atraído por essas ações porque elas não só permitiam estudar o movimento, como também observar as mudanças sociais em curso na época, ‘mesmo que não fosse um ativista’.

É esse olhar social sobre o impressionista francês, aliás, que o museu pretende lançar com a exposição de agora –em parte no catálogo, com lançamento em breve, que analisa aspectos controversos da produção do artista, em geral negligenciados, e em parte por meio das fotografias de Borges, exibidas nos cavaletes de vidro projetados por Lina Bo Bardi, e intercaladas entre as estantes de esculturas.


 

'Dança Escultórica 6', foto  Sofia Borges da série 'Ensaio para Degas', 2020 


Nelas, as bailarinas de Degas aparecem iluminadas por luzes duras —na realidade, as próprias lâmpadas do museu—, suas peles marcadas por sulcos. Algumas alongam braços, pernas, costas, seus pedestais de bronze cortados da composição de modo a ‘registrar sua potência dançante’, segundo Borges. Já a ‘Bailarina de 14 Anos’ aparece cercada de sombras e vultos, efeito dos reflexos no seu invólucro de vidro.

O interesse museológico de Borges, fotógrafa premiada, e uma das curadoras-artistas da última Bienal de São Paulo, vem de longe. Por sete anos, ela explorou com suas lentes detalhes de pinturas, objetos arqueológicos, animais empalhados, buscando entender uma relação entre matéria, representação e imagem que, ela argumenta, é ainda mais complexa nessas instituições.

‘Ali, um vaso representa o seu próprio tempo, o artista que o fez, a distância entre ele e o tempo de hoje, um povo inteiro. Ele parece ter uma espessura de significado, diferente da de um vaso da minha casa.’

Nos últimos tempos, porém, ela passou a nutrir um interesse pelo gesto —e, portanto, a dança.

Oliva, o curador, conta que percebia que Borges usava a câmera para olhar para os bronzes de Degas. A fotógrafa assente.


‘Não olho a coisa, mas a imagem da coisa.’




Fonte: Clara Balbi   |  FSP


 

(JA, Dez20)


quarta-feira, 2 de dezembro de 2020

31ª Feira Nacional de Artesanato 2020

 


O Brasil não conhece o Brasil! Esta é uma grande verdade. Não por falta de interesse do brasileiro, mas pela grandiosidade de nosso país.

E a Feira Nacional de Artesanato (Expominas - Avenida Amazonas, 6200 - Bairro Gameleira, Belo Horizonte – MG), vem justamente fazer uma tentativa de mudar isso durante seis dias - levar um pouco de conhecimento aos mais de 140.000 visitantes do que existe de melhor e mais interessante em nosso país. Serão sabores, produtos e informações sobre a potencialidade de nosso território.

Nos seus 31 anos de existência, a Feira Nacional sempre fez questão de ser sempre uma grande escola e um local onde os visitantes possam conhecer a diversidade cultural e gastronômica e nosso país.

Haverá, também, stands de parceiros com programação especial, como a Ilha do Conhecimento, organizada pelo Ministério da Economia, por meio do Programa de Artesanato Brasileiro (PAB). Ela vai oferecer cursos e palestras de capacitação para artesãos e visitantes.

Em outro espaço, uma área de 1104 metros, com artesanato de todo o Brasil, assinado pelo Sebrae Nacional e pelo Centro De Referência Do Artesanato Brasileiro (CRAB). Já o Brasil de Norte a Sul é um espaço do Ministério do Turismo, mostrando as belezas naturais e pontos turísticos nacionais. A Secretaria de Estado de Cultura e Turismo (SECULT) também vai apresentar 18 circuitos turísticos de Minas Gerais. E o Espaço Índios, terá a presença de mais de 10 etnias de todo o país.

Protocolo sanitário 

Em razão da pandemia, a edição deste ano vai obedecer a um rigoroso protocolo sanitário, com medidas para prevenção da COVID-19, definido em parceria com a prefeitura de Belo Horizonte. O objetivo é garantir a segurança de todos os visitantes e artesãos presentes

Totens com álcool em gel 70% serão disponibilizados por todo o pavilhão do Expominas. Haverá uma higienização prévia de todo o material de montagem e mercadorias do evento, aferição de temperatura dos visitantes e dos expositores, uso de QR Codes para evitar troca de cartões de visitas.

A degustação nos stands de gastronomia será proibida, a não ser daqueles alimentos embalados individualmente. A capacidade de visitantes será reduzida, com controle do total máximo de público simultâneo no local, além da exigência do uso correto das máscaras. Para garantir o distanciamento social, a feira terá ainda uma nova configuração, com maior espaçamento entre os stands e mais ruas de circulação dentro dos pavilhões.

Novidade

Feira Nacional de Artesanato Virtual - Feira 365 Dias

A grande novidade este ano será que o evento não encerra dia 6 de dezembro, ele será gravado 360 graus, todos os stands, de forma que o internauta poderá fazer uma visita virtual no evento real, passear pelos stands, fazer contato com o artesão de acordo com as informações que este disponibilizar, comprar dele direto.

Isto de dezembro de 2020 até novembro de 2021!

Esta forma de apresentação será diferente do que tem sido feito, como um evento hibrido, com cenários virtuais, onde se coloca os produtos. Na Feira Virtual não, será uma gravação real, onde no estilo visita a museus e Google Street Views, o visitante terá a sensação de estar realmente visitando o evento.

Esta plataforma, além de disponibilizar o artesão e seus produtos por 12 meses, servirá também para prospecção no mercado internacional.

 



(JA, Dez20)

sexta-feira, 13 de novembro de 2020

Tarsila reforça escalada no mercado de arte com esboços beirando o R$ 1 milhão

 Enquanto seus desenhos custam a partir de R$ 40 mil, tela de sua fase áurea foi posta à venda por R$ 38 milhões em feira

 

Autorretrato de Tarsila do Amaral de 1923, também conhecido como 'Manteau Rouge'
 

Havaianas, imãs de geladeira, cadernos e até filme para crianças. Tarsila do Amaral está em todas. Pop e a preços cada vez mais estratosféricos, desde que o MoMA de Nova York comprou sua tela ‘A Lua’ por uma cifra próxima dos US$ 20 milhões, no ano passado.

‘Idílio’, pintura com as cores fortes e os traços curvos característicos da modernista brasileira, foi posta à venda por US$ 7 milhões, ou cerca de R$ 38 milhões, na edição nova-iorquina da tradicional feira de arte Tefaf, realizada na semana passada.

 

‘A Negra’, 1923
 

Neste sábado (14), em um museu de Itu, no interior de São Paulo, será inaugurada uma exposição com 200 de seus desenhos, cada um podendo valer de R$ 40 mil a R$ 1 milhão, caso de um estudo de ‘A Negra’, obra de 1923, a primeira no processo de seu reconhecimento internacional.

A coleção reúne desenhos com estudos e anotações para suas futuras obras, feitos entre os anos 1910 e 1940. Inclui, portanto, seu período áureo, de 1923 a 1933, quando, além de ‘A Negra’, pintou ‘Abaporu’, ‘A Lua’, ambas de 1928, e ‘Operários’, de 1933. Foi recém-adquirida pelo artista plástico, empresário e colecionador Marcos Amaro, 36, que investiu mais de R$ 200 milhões, incluindo essa coleção, no museu Fama (Fábrica de Artes Marcos Amaro), em que acontecerá a exposição.

Os desenhos haviam sido vendidos por um marchand em 1970 ao empresário Oscar Fakhoury, que os manteve guardados, sem acesso ao público e a pesquisadores. Com a sua morte, sua viúva negociou a venda a Amaro, através da galeria Almeida & Dale, segundo o colecionador. ‘Eu já havia flertado com várias obras da Tarsila, mas as negociações não avançaram. Quando soube desses desenhos, fiquei apaixonado pela ideia de adquirir um conjunto tão representativo do percurso da artista’, diz Amaro.

Após a compra, o colecionador achou que seria preciso um complemento na trajetória da modernista. Por meio de um marchand, adquiriu mais dois desenhos da fase antropofágica de Tarsila —a mais conhecida do público, marcada por ‘Abaporu’—, e outro galerista o levou a um exemplar do período no qual a pintora esteve na União Soviética, quando se casou com o psiquiatra, crítico de arte e comunista Osório César e desenvolveu suas obras de viés político, cujo grande exemplar é ‘Operários’.

 

Operários
 

Amaro, apesar de não falar sobre o valor que pagou por esses três desenhos e pela coleção, dá parâmetros: ‘No mercado, os desenhos menos representativos da Tarsila valem entre R$ 40 mil e R$ 50 mil. E um estudo de ‘A Negra’ [como o que faz parte da coleção] foi vendido por quase R$ 1 milhão. Apesar disso, eu não comprei com o interesse comercial, especulativo, quero que a coleção faça parte do acervo do Fama para ser vista pelo público e para basear estudos e pesquisas’, afirma o colecionador.

Para Amaro, Tarsila,1886-1973, ‘teve uma defasagem’ na valorização mercadológica, o que mudou desde que o MoMA adquiriu ‘A Lua’. ‘Um movimento como esse cria uma legitimidade da artista para o mercado, é um endosso para um resgate histórico’.

 

‘Tarsila Popular’, MASP, 2019
 

Ele menciona também a exposição ‘Tarsila Popular’, realizada pelo Masp no ano passado, que bateu o recorde histórico do museu, com mais de 402 mil visitantes fazendo filas e tirando selfies em frente às obras, destronando uma lista formada por Monet, Picasso e Salvador Dalí. ‘Isso a popularizou muito. Ela acaba virando um ícone pop, como Frida Kahlo,1907-1954. A vantagem da Frida em relação à Tarsila, em relação a essa popularização, é a proximidade do México com os Estados Unidos’, analisa.

Uma das maiores especialistas em Tarsila, com quem teve contato, a crítica de arte Aracy Amaral, 90, diz que esse movimento em relação à artista está diretamente relacionado ao crescimento do mercado da arte.

Na década de 1960, Aracy realizou pesquisa na casa de Tarsila, na rua Albuquerque Lins, em São Paulo, onde catalogou os 200 desenhos que agora chegam à exposição do Fama, da qual é curadora. Em 1969, organizou ‘Tarsila – 50 Anos de Pintura’, no Museu de Arte Moderna do Rio, mostra relevante na construção do reconhecimento da modernista. À época, lembra Aracy, Tarsila vendeu algumas de suas obras. ‘Era um dinheiro suficiente para cuidar da sua casa e viver bem. Mas não tinha a noção da valorização das suas obras’, lembra Aracy.

 

‘A Lua’
 

Se a evolução do mercado de arte ajudou Tarsila a se consolidar no país, o marco de sua valorização internacional foi a aquisição de ‘A Lua’ pelo MoMA, afirma Paulo Kuczynski, 72, que intermediou a venda. ‘Com isso, ela passou do patamar do modernismo brasileiro para o do modernismo internacional’, avalia o galerista, que diz saber de outras instituições interessadas em adicionar Tarsila a seus acervos.

É um sinal de que a escalada de preços não deve arrefecer nos próximos anos. Até porque, diz Kuczynski, a última grande venda sempre inaugura uma nova faixa de valores, mesmo que a obra em negociação não seja tão aclamada quanto ‘A Lua’.

À frente das negociações de ‘Idílio’ iniciadas na Tefaf, o galerista Thiago Gomide, 42, afirma que o quadro, de uma fase em que a artista retratou a vida interiorana brasileira, já atraiu o interesse de colecionadores dos EUA, da Inglaterra e da China.

 

'Idílio', 1929, pintura de Tarsila do Amaral exibida pela galeria Bergamin e Gomide na feira online Tefaf, Nova York, 2020 

Ele torce para que a pintura de traços arredondados, que mostra um casal de namorados em uma fazenda, seja adquirida por um museu internacional. Segundo Gomide, Tarsila foi muito beneficiada por uma tendência recente dessas instituições de revisar as suas coleções de modo a incluir mais trabalhos de mulheres, negros, latinos. ‘A venda para o MoMA criou um precedente muito importante, em que instituições passaram a se sentir confortáveis para pagar valores altos em um quadro como esse’, diz.

Esse fato, aliado à raridade de telas da fase mais valorizada de Tarsila —menos de 50—, deve continuar a projetá-la. ‘E a valorização ainda crescerá porque esse movimento de igualdade de gênero está só começando. A Tarsila acabou se tornando um ícone que todos conhecem, crianças, trabalhadores de todas as classes. Criou uma identidade brasileira, é a cara do Brasil, da mesma forma que a Frida é a do México’, diz Gomide.

Doutora em estética e história da arte pela USP, Regina Teixeira de Barros, 54, curadora da exposição dos desenhos no Fama e que já organizou mostras da artista na Pinacoteca e no Malba, na Argentina, onde está o ‘Abaporu’, também acredita que esse discurso de gênero ajude a fazer de Tarsila uma artista expoente. Características de sua obra, como as formas reduzidas e o colorido, têm apelo com o público, trazem uma facilidade de acesso. ‘É muito fácil gostar da Tarsila’, diz a historiadora.

Kuczynski concorda: ‘Ela é tão Brasil, tão caipira, suas cores, suas formas... É tudo muito sedutor. Tem a dimensão de sonho com a qual as crianças se identificam’.

 



É na identificação com o público infantil a aposta o filme de animação ‘Tarsilinha’, da PinGuim Content, criadora dos desenhos animados ‘Peixonauta’ e ‘O Show da Luna!’.




No longa-metragem, em fase de finalização, a garota Tarsilinha envolve-se em uma aventura em um mundo repleto de figuras, personagens e cenários das obras de Tarsila. Entraria em cartaz nos cinemas neste ano, o que foi adiado em razão da pandemia. A produtora lança nesta sexta-feira (13) um clipe do filme, com música de Zeca Baleiro, que canta no refrão: ‘Tarsilinha não tem medo, leva na mochila coragem sem fim’.

É um perfil ideal para protagonistas femininas dos novos tempos, inclusive as princesas da Disney. E que tem tudo a ver com a heroína da vida real que a inspirou. 



Fonte: Laura Mattos e Clara Balbi   |   FSP

 

(JA, 13-Nov20) 


 

sexta-feira, 30 de outubro de 2020

Egon Schiele

 

Egon Schiele, 1890-1918
 

Aos 16 anos, Egon Schiele, foi admitido na Academia de Belas Artes de Viena, patrocinado por ninguém menos que Gustav Klimt, e com 28 anos deixou uma numerosa obra tão escandalosa quanto sua vida, em uma sociedade de moral católica quase medieval.

Egon Schiele foi um Artista completamente fora de seu tempo. Ele não entendia a sociedade que o cercava, nem aqueles que estavam em seu ambiente tinham facilidade com ele.

Junto com Kokoschka, ele é o maior representante do expressionismo  vienense.

Do Neukunstgruppe (New Art Group) formulou com outros Criadores, uma linguagem estética da falta de preconceito, e uma luta contra todo idealismo suspeito de encobrir o real com o engano.

 

Sitting woman with legs drawn up
 

Em 1910, dá-se a sua passagem ao Expressionismo, com um novo cromatismo que contrapõe o naturalismo e o dominante Jugendstil vienense com novos temas, como o nu erótico e, sobretudo, o Autorretrato.

O Autorretrato de Dürer, passando por Rembrandt e chegando a Van Gogh, foi caracterizado por uma individualidade sempre identificável, mas pela primeira vez, em Schiele, vemos uma despersonalização, que, paradoxalmente, ao se mostrar e se ver como ‘outro’, confirma a identidade própria. Eu.

Partindo do mito de Narciso e chegando ao ‘estágio do espelho’ de que falava Lacan.

Talvez como uma tentativa de superar os primórdios de seu Pai, esta necessidade de reafirmação aparece, mas com um espelho distorcido, quase como o de Dorian Gray, cúmplice de Jekill e Hyde.

Em abril de 1912, ele foi preso sob a acusação de pedofilia e sequestro de menores. As acusações são falsas, mas ele permanece na prisão por 3 semanas. Em seguida, ele captura e registra essa experiência traumática na famosa série da prisão.

Em junho de 1915, casa-se com Edith Harms, e então, sua Arte Expressionista dá lugar a uma abordagem mais próxima da natureza, que se reflete principalmente em seus nus femininos, e retratos, cada vez mais realistas.

 

Female Lovers
 

Após a morte inesperada de Gustav Klimt, no início de 1918, Schiele é considerado seu herdeiro legítimo na cena artística de Viena.

Entretanto, no auge de seu sucesso, ele morrerá no mesmo ano.

 

Fonte: AAC  |  WP

 

(JA, Out20)