quarta-feira, 2 de dezembro de 2020

31ª Feira Nacional de Artesanato 2020

 


O Brasil não conhece o Brasil! Esta é uma grande verdade. Não por falta de interesse do brasileiro, mas pela grandiosidade de nosso país.

E a Feira Nacional de Artesanato (Expominas - Avenida Amazonas, 6200 - Bairro Gameleira, Belo Horizonte – MG), vem justamente fazer uma tentativa de mudar isso durante seis dias - levar um pouco de conhecimento aos mais de 140.000 visitantes do que existe de melhor e mais interessante em nosso país. Serão sabores, produtos e informações sobre a potencialidade de nosso território.

Nos seus 31 anos de existência, a Feira Nacional sempre fez questão de ser sempre uma grande escola e um local onde os visitantes possam conhecer a diversidade cultural e gastronômica e nosso país.

Haverá, também, stands de parceiros com programação especial, como a Ilha do Conhecimento, organizada pelo Ministério da Economia, por meio do Programa de Artesanato Brasileiro (PAB). Ela vai oferecer cursos e palestras de capacitação para artesãos e visitantes.

Em outro espaço, uma área de 1104 metros, com artesanato de todo o Brasil, assinado pelo Sebrae Nacional e pelo Centro De Referência Do Artesanato Brasileiro (CRAB). Já o Brasil de Norte a Sul é um espaço do Ministério do Turismo, mostrando as belezas naturais e pontos turísticos nacionais. A Secretaria de Estado de Cultura e Turismo (SECULT) também vai apresentar 18 circuitos turísticos de Minas Gerais. E o Espaço Índios, terá a presença de mais de 10 etnias de todo o país.

Protocolo sanitário 

Em razão da pandemia, a edição deste ano vai obedecer a um rigoroso protocolo sanitário, com medidas para prevenção da COVID-19, definido em parceria com a prefeitura de Belo Horizonte. O objetivo é garantir a segurança de todos os visitantes e artesãos presentes

Totens com álcool em gel 70% serão disponibilizados por todo o pavilhão do Expominas. Haverá uma higienização prévia de todo o material de montagem e mercadorias do evento, aferição de temperatura dos visitantes e dos expositores, uso de QR Codes para evitar troca de cartões de visitas.

A degustação nos stands de gastronomia será proibida, a não ser daqueles alimentos embalados individualmente. A capacidade de visitantes será reduzida, com controle do total máximo de público simultâneo no local, além da exigência do uso correto das máscaras. Para garantir o distanciamento social, a feira terá ainda uma nova configuração, com maior espaçamento entre os stands e mais ruas de circulação dentro dos pavilhões.

Novidade

Feira Nacional de Artesanato Virtual - Feira 365 Dias

A grande novidade este ano será que o evento não encerra dia 6 de dezembro, ele será gravado 360 graus, todos os stands, de forma que o internauta poderá fazer uma visita virtual no evento real, passear pelos stands, fazer contato com o artesão de acordo com as informações que este disponibilizar, comprar dele direto.

Isto de dezembro de 2020 até novembro de 2021!

Esta forma de apresentação será diferente do que tem sido feito, como um evento hibrido, com cenários virtuais, onde se coloca os produtos. Na Feira Virtual não, será uma gravação real, onde no estilo visita a museus e Google Street Views, o visitante terá a sensação de estar realmente visitando o evento.

Esta plataforma, além de disponibilizar o artesão e seus produtos por 12 meses, servirá também para prospecção no mercado internacional.

 



(JA, Dez20)

sexta-feira, 13 de novembro de 2020

Tarsila reforça escalada no mercado de arte com esboços beirando o R$ 1 milhão

 Enquanto seus desenhos custam a partir de R$ 40 mil, tela de sua fase áurea foi posta à venda por R$ 38 milhões em feira

 

Autorretrato de Tarsila do Amaral de 1923, também conhecido como 'Manteau Rouge'
 

Havaianas, imãs de geladeira, cadernos e até filme para crianças. Tarsila do Amaral está em todas. Pop e a preços cada vez mais estratosféricos, desde que o MoMA de Nova York comprou sua tela ‘A Lua’ por uma cifra próxima dos US$ 20 milhões, no ano passado.

‘Idílio’, pintura com as cores fortes e os traços curvos característicos da modernista brasileira, foi posta à venda por US$ 7 milhões, ou cerca de R$ 38 milhões, na edição nova-iorquina da tradicional feira de arte Tefaf, realizada na semana passada.

 

‘A Negra’, 1923
 

Neste sábado (14), em um museu de Itu, no interior de São Paulo, será inaugurada uma exposição com 200 de seus desenhos, cada um podendo valer de R$ 40 mil a R$ 1 milhão, caso de um estudo de ‘A Negra’, obra de 1923, a primeira no processo de seu reconhecimento internacional.

A coleção reúne desenhos com estudos e anotações para suas futuras obras, feitos entre os anos 1910 e 1940. Inclui, portanto, seu período áureo, de 1923 a 1933, quando, além de ‘A Negra’, pintou ‘Abaporu’, ‘A Lua’, ambas de 1928, e ‘Operários’, de 1933. Foi recém-adquirida pelo artista plástico, empresário e colecionador Marcos Amaro, 36, que investiu mais de R$ 200 milhões, incluindo essa coleção, no museu Fama (Fábrica de Artes Marcos Amaro), em que acontecerá a exposição.

Os desenhos haviam sido vendidos por um marchand em 1970 ao empresário Oscar Fakhoury, que os manteve guardados, sem acesso ao público e a pesquisadores. Com a sua morte, sua viúva negociou a venda a Amaro, através da galeria Almeida & Dale, segundo o colecionador. ‘Eu já havia flertado com várias obras da Tarsila, mas as negociações não avançaram. Quando soube desses desenhos, fiquei apaixonado pela ideia de adquirir um conjunto tão representativo do percurso da artista’, diz Amaro.

Após a compra, o colecionador achou que seria preciso um complemento na trajetória da modernista. Por meio de um marchand, adquiriu mais dois desenhos da fase antropofágica de Tarsila —a mais conhecida do público, marcada por ‘Abaporu’—, e outro galerista o levou a um exemplar do período no qual a pintora esteve na União Soviética, quando se casou com o psiquiatra, crítico de arte e comunista Osório César e desenvolveu suas obras de viés político, cujo grande exemplar é ‘Operários’.

 

Operários
 

Amaro, apesar de não falar sobre o valor que pagou por esses três desenhos e pela coleção, dá parâmetros: ‘No mercado, os desenhos menos representativos da Tarsila valem entre R$ 40 mil e R$ 50 mil. E um estudo de ‘A Negra’ [como o que faz parte da coleção] foi vendido por quase R$ 1 milhão. Apesar disso, eu não comprei com o interesse comercial, especulativo, quero que a coleção faça parte do acervo do Fama para ser vista pelo público e para basear estudos e pesquisas’, afirma o colecionador.

Para Amaro, Tarsila,1886-1973, ‘teve uma defasagem’ na valorização mercadológica, o que mudou desde que o MoMA adquiriu ‘A Lua’. ‘Um movimento como esse cria uma legitimidade da artista para o mercado, é um endosso para um resgate histórico’.

 

‘Tarsila Popular’, MASP, 2019
 

Ele menciona também a exposição ‘Tarsila Popular’, realizada pelo Masp no ano passado, que bateu o recorde histórico do museu, com mais de 402 mil visitantes fazendo filas e tirando selfies em frente às obras, destronando uma lista formada por Monet, Picasso e Salvador Dalí. ‘Isso a popularizou muito. Ela acaba virando um ícone pop, como Frida Kahlo,1907-1954. A vantagem da Frida em relação à Tarsila, em relação a essa popularização, é a proximidade do México com os Estados Unidos’, analisa.

Uma das maiores especialistas em Tarsila, com quem teve contato, a crítica de arte Aracy Amaral, 90, diz que esse movimento em relação à artista está diretamente relacionado ao crescimento do mercado da arte.

Na década de 1960, Aracy realizou pesquisa na casa de Tarsila, na rua Albuquerque Lins, em São Paulo, onde catalogou os 200 desenhos que agora chegam à exposição do Fama, da qual é curadora. Em 1969, organizou ‘Tarsila – 50 Anos de Pintura’, no Museu de Arte Moderna do Rio, mostra relevante na construção do reconhecimento da modernista. À época, lembra Aracy, Tarsila vendeu algumas de suas obras. ‘Era um dinheiro suficiente para cuidar da sua casa e viver bem. Mas não tinha a noção da valorização das suas obras’, lembra Aracy.

 

‘A Lua’
 

Se a evolução do mercado de arte ajudou Tarsila a se consolidar no país, o marco de sua valorização internacional foi a aquisição de ‘A Lua’ pelo MoMA, afirma Paulo Kuczynski, 72, que intermediou a venda. ‘Com isso, ela passou do patamar do modernismo brasileiro para o do modernismo internacional’, avalia o galerista, que diz saber de outras instituições interessadas em adicionar Tarsila a seus acervos.

É um sinal de que a escalada de preços não deve arrefecer nos próximos anos. Até porque, diz Kuczynski, a última grande venda sempre inaugura uma nova faixa de valores, mesmo que a obra em negociação não seja tão aclamada quanto ‘A Lua’.

À frente das negociações de ‘Idílio’ iniciadas na Tefaf, o galerista Thiago Gomide, 42, afirma que o quadro, de uma fase em que a artista retratou a vida interiorana brasileira, já atraiu o interesse de colecionadores dos EUA, da Inglaterra e da China.

 

'Idílio', 1929, pintura de Tarsila do Amaral exibida pela galeria Bergamin e Gomide na feira online Tefaf, Nova York, 2020 

Ele torce para que a pintura de traços arredondados, que mostra um casal de namorados em uma fazenda, seja adquirida por um museu internacional. Segundo Gomide, Tarsila foi muito beneficiada por uma tendência recente dessas instituições de revisar as suas coleções de modo a incluir mais trabalhos de mulheres, negros, latinos. ‘A venda para o MoMA criou um precedente muito importante, em que instituições passaram a se sentir confortáveis para pagar valores altos em um quadro como esse’, diz.

Esse fato, aliado à raridade de telas da fase mais valorizada de Tarsila —menos de 50—, deve continuar a projetá-la. ‘E a valorização ainda crescerá porque esse movimento de igualdade de gênero está só começando. A Tarsila acabou se tornando um ícone que todos conhecem, crianças, trabalhadores de todas as classes. Criou uma identidade brasileira, é a cara do Brasil, da mesma forma que a Frida é a do México’, diz Gomide.

Doutora em estética e história da arte pela USP, Regina Teixeira de Barros, 54, curadora da exposição dos desenhos no Fama e que já organizou mostras da artista na Pinacoteca e no Malba, na Argentina, onde está o ‘Abaporu’, também acredita que esse discurso de gênero ajude a fazer de Tarsila uma artista expoente. Características de sua obra, como as formas reduzidas e o colorido, têm apelo com o público, trazem uma facilidade de acesso. ‘É muito fácil gostar da Tarsila’, diz a historiadora.

Kuczynski concorda: ‘Ela é tão Brasil, tão caipira, suas cores, suas formas... É tudo muito sedutor. Tem a dimensão de sonho com a qual as crianças se identificam’.

 



É na identificação com o público infantil a aposta o filme de animação ‘Tarsilinha’, da PinGuim Content, criadora dos desenhos animados ‘Peixonauta’ e ‘O Show da Luna!’.




No longa-metragem, em fase de finalização, a garota Tarsilinha envolve-se em uma aventura em um mundo repleto de figuras, personagens e cenários das obras de Tarsila. Entraria em cartaz nos cinemas neste ano, o que foi adiado em razão da pandemia. A produtora lança nesta sexta-feira (13) um clipe do filme, com música de Zeca Baleiro, que canta no refrão: ‘Tarsilinha não tem medo, leva na mochila coragem sem fim’.

É um perfil ideal para protagonistas femininas dos novos tempos, inclusive as princesas da Disney. E que tem tudo a ver com a heroína da vida real que a inspirou. 



Fonte: Laura Mattos e Clara Balbi   |   FSP

 

(JA, 13-Nov20) 


 

sexta-feira, 30 de outubro de 2020

Egon Schiele

 

Egon Schiele, 1890-1918
 

Aos 16 anos, Egon Schiele, foi admitido na Academia de Belas Artes de Viena, patrocinado por ninguém menos que Gustav Klimt, e com 28 anos deixou uma numerosa obra tão escandalosa quanto sua vida, em uma sociedade de moral católica quase medieval.

Egon Schiele foi um Artista completamente fora de seu tempo. Ele não entendia a sociedade que o cercava, nem aqueles que estavam em seu ambiente tinham facilidade com ele.

Junto com Kokoschka, ele é o maior representante do expressionismo  vienense.

Do Neukunstgruppe (New Art Group) formulou com outros Criadores, uma linguagem estética da falta de preconceito, e uma luta contra todo idealismo suspeito de encobrir o real com o engano.

 

Sitting woman with legs drawn up
 

Em 1910, dá-se a sua passagem ao Expressionismo, com um novo cromatismo que contrapõe o naturalismo e o dominante Jugendstil vienense com novos temas, como o nu erótico e, sobretudo, o Autorretrato.

O Autorretrato de Dürer, passando por Rembrandt e chegando a Van Gogh, foi caracterizado por uma individualidade sempre identificável, mas pela primeira vez, em Schiele, vemos uma despersonalização, que, paradoxalmente, ao se mostrar e se ver como ‘outro’, confirma a identidade própria. Eu.

Partindo do mito de Narciso e chegando ao ‘estágio do espelho’ de que falava Lacan.

Talvez como uma tentativa de superar os primórdios de seu Pai, esta necessidade de reafirmação aparece, mas com um espelho distorcido, quase como o de Dorian Gray, cúmplice de Jekill e Hyde.

Em abril de 1912, ele foi preso sob a acusação de pedofilia e sequestro de menores. As acusações são falsas, mas ele permanece na prisão por 3 semanas. Em seguida, ele captura e registra essa experiência traumática na famosa série da prisão.

Em junho de 1915, casa-se com Edith Harms, e então, sua Arte Expressionista dá lugar a uma abordagem mais próxima da natureza, que se reflete principalmente em seus nus femininos, e retratos, cada vez mais realistas.

 

Female Lovers
 

Após a morte inesperada de Gustav Klimt, no início de 1918, Schiele é considerado seu herdeiro legítimo na cena artística de Viena.

Entretanto, no auge de seu sucesso, ele morrerá no mesmo ano.

 

Fonte: AAC  |  WP

 

(JA, Out20)

 


quarta-feira, 28 de outubro de 2020

Vânia Oliveira, a artesã alagoana ganhou título ‘mestre imortal'


A artesã alagoana Vânia de Oliveira Santos,  tornou-se Mestre Imortal do Brasil


Aos 63 anos e 38 de ofício, a artesã alagoana Vânia de Oliveira Santos tornou-se Mestre Imortal do Brasil, título conferido em setembro pela seção brasileira da IOV World (Organização Internacional de Folclore e Artes Populares), filiada à Unesco (Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura).

O trabalho de Vânia Oliveira tem como principal motivo os folguedos de Alagoas, na busca de manutenção da história e das danças folclóricas. O colorido chapéu de guerreiro é a sua marca. A peça, rica em referências locais, já lhe deu o título de patrimônio vivo de Alagoas em 2015 e, em 2020, o de mestra artesã.

A mãe e a avó eram bordadeiras e costureiras, mas ela achava que não tinha jeito para trabalhos manuais. ‘Eu gostava mesmo era de jogar bola. Fui da primeira seleção alagoana de basquete’.

Vânia abandonou o esporte e casou-se aos 17 anos. Reconheceu a vocação pela arte ao fazer lembranças de aniversário da filha mais velha, e os jogos e brinquedos pedagógicos para a escola que a irmã dirigia.

Escolheu o tema folguedos, que são festas populares que fazem parte do folclore no Nordeste, envolvendo música, dança e teatro. ‘Sempre gostei dos folguedos. Eu brinquei pastoril e guerreiro, mas meu pai não gostava, então eu brincava na escola, onde ele não via’.

 

      Bumba meu boi, um dos símbolos do folclore no Norte e Nordeste do país presentes na obra da artista


Manter viva a cultura passou a ser prioridade. Produzir as peças, no entanto, era pouco. Ela passou a ensinar o ofício. ‘Sinto que através do repasse eu não deixo a cultura morrer, e sei que meus alunos serão mestre. Já tenho aluno mestre’. Para aperfeiçoar a didática, decidiu fazer curso superior à distância, e formou-se em pedagogia aos 52 anos.

Decidiu trabalhar pela valorização do artesão, chegou à presidência da Falarte (Federação dos Artesãos de Alagoas), participou da construção do Plano Nacional do Artesanato, do extinto Ministério da Cultura, em 2010, e contribui , junto a pesquisadoras da UnB (Universidade de Brasília), no Estudo do ecossistema de inovação do artesanato.

 

Mestre Vânia trabalha com o tema dos folguedos


Mestre Vânia afirma que a sua principal preocupação hoje é com a sobrevivência do artesão, agravada pela pandemia. ‘Fomos os primeiros a parar, e seremos os últimos a voltar. Durante o ano são realizadas quatro feiras nacionais, e até o momento não houve nenhuma. Se houver uma no final do ano, como o artesão vai participar? Que incentivo recebemos?’.

Mas ainda há espaço para mais planos. ‘Meu sonho é ver o reconhecimento do artesão. O artesanato é valorizado, mas o artesão precisa de reconhecimento. O artesanato faz parte da cadeia produtiva do turismo. Por isso tem que se ter um olhar para esse profissional’.

O título de mestre imortal é concedido a artesãos reconhecidos e outorgados com títulos de Mestres da Cultura Popular em suas localidades. ‘Serve de incentivo a milhares de mestres deste Brasil que estão por aí se empenhando para não deixarem desaparecer a cultura de seus antepassados’, afirma o presidente da organização no Brasil, Clerton Vieira.

 


 

Fonte: Kátia Vasco   |  FSP

 

(JA, Out20)

 


terça-feira, 13 de outubro de 2020

Arte Roubada

Alex Katz criou um mundo sem sobras em telas que viriam à Bienal de São Paulo, mas a pandemia atropelou todos os planos. A exposição agora é só virtual 












Uma mulher mais velha ajeita um blusão rosa com uma expressão de aconchego no rosto. Dois amantes se abraçam com ternura em meio às árvores. Poucas folhas amareladas pelo frio do outono caem no asfalto cinzento.

Quem observa essas telas plácidas e de atmosfera ‘cool’ de Alex Katz não imagina que um dos principais nomes da pintura da atualidade tem um humor bastante ácido.

‘Você não quer fazer algo que pareça velho. Eu quero fazer algo que pareça novo em folha. E, para as pessoas que gostam de coisas velhas, pintar coisas novas é raso’, afirma, meio sério e meio irônico, em entrevista pelo Zoom.

Nas suas telas, o pintor nova-iorquino congela num eterno presente o cotidiano que vive na ilha de Manhattan —a convivência com os amigos, familiares, e com a mulher Ada, que já foi retratada por ele algumas centenas de vezes.

 

‘Lisa e Brooks’, óleo sobre tela de 1995 

Outro tema recorrente são os arredores bucólicos de uma casa-ateliê no estado do Maine, próxima à uma praia, onde ele passa boa parte do tempo. Aos 92 anos, Katz afirma não acreditar em paraíso nem no amanhã radiante. ‘Não há passado, não há futuro, é só hoje’.

Um breve recorte de sua carreira de cerca de sete décadas está em exposição até o início de novembro no site da galeria Thaddaeus Ropac —são 30 telas de dimensões variadas selecionadas pelo seu amigo e crítico Robert Storr.

Mas essas obras deveriam estar agora no Brasil. Katz participaria da mostra principal da 34ª edição da Bienal de São Paulo, e também ganharia uma grande retrospectiva no Instituto Tomie Ohtake, na capital paulista, sua primeira na América do Sul. A pandemia e a alta do dólar forçaram a suspensão de ambos. ‘Não é a mesma coisa’, diz ele, sobre ver o seu trabalho na tela de um computador ou celular.

Precursor da pop art, Katz desenvolveu seu estilo nos anos 1950, depois de estudar na faculdade Cooper Union, em Nova York. Desprezando o ensinamento modernista que recebeu, decidiu fazer pinturas figurativas num momento em que os Estados Unidos se destacavam com os respingos abstratos de Jackson Pollock.

Mas, se as telas do expressionista abstrato inspiravam profundidade e contemplação, as de Katz, influenciadas pela estética dos outdoors publicitários e cenas de filmes, iam pelo caminho oposto, apostando na leitura fácil.

‘Eu cresci, sou um artista treinado, embora o meu trabalho não pareça assim para muita gente’, diz, refutando uma crítica comum a suas obras —a de que parecem terem sido feitas sem esforço.

Ser um pintor famoso foi algo consciente, ele diz que exigiu dele pensar muito sobre o ofício, e fazer coisas que se parecessem com a ideia de arte.

No colegial, notou que seus desenhos de moldes de estátuas, aos poucos, se tornaram melhores do que o de seus professores, o que o estimulou a levar a carreira a sério.

‘Eu não tinha nenhuma confiança, mas trabalhei duro e pensei que se eu posso me tornar tão bom vindo do nada, em 20 anos vou fazer algo realmente bom. E consegui’.

A estética de Katz —personagens chapados e sem sombra, contra grandes blocos de cor— se manteve em grande parte inalterada, ao longo das décadas, independente do movimento artístico em voga. Atualmente, parece fazer sentido num ambiente saturado de imagens. Ele se diz contente por ‘ser parte dessa saturação’, e afirma apreciar um mundo que se torna cada vez mais visual, e menos verbal, nas suas palavras.


Laura,  2017 


Outra característica de sua obra é a ausência de motivos explicitamente políticos. Desde adolescente, ele diz nunca ter gostado de arte engajada, porque a considera barata, e uma forma de rebaixar a pintura, como se alguém estivesse perguntando de forma obsessiva se o observador entende o que está representado ali.

Quando era estudante, ele recusou o convite de um professor para participar de uma mostra de arte politizada numa galeria importante —chance que a maioria dos jovens não desperdiçaria, conta.

Toda essa aversão talvez explique a sua total falta de cerimônia ao estraçalhar a pintura contemporânea americana. ‘Essencialmente decorativa’, diz ele, sobre a obra do artista negro e gay Mark Bradford, que representou os Estados Unidos na Bienal de Veneza de 2017, com um trabalho crítico ao presidente Donald Trump. ‘Suas telas grandes vão bem com tapetes brancos’.

Por outro lado, Katz afirma que foi uma covardia o recente cancelamento de uma exposição de seu contemporâneo Philip Guston, que traria uma série de telas do grupo racista Ku Klux Klan, pintadas no final da década de 1960.

‘Estamos em tempos reacionários. Cancelar uma exposição por um motivo político, é agir como covardes completos. Deixem a mostra de pé e digam a quem estiver protestando que vá para o inferno. Ponham todos eles atrás das grades se ainda fizerem algo’.

Em setembro, museus nos Estados Unidos, e no Reino Unido, anunciaram o adiamento de uma exposição de Guston, prevista para o ano que vem, alegando que esperam o momento certo para que a mensagem do pintor, um ativista antirracismo morto em 1980, ‘possa ser possa ser mais claramente interpretada’.

Katz passou uma parte dos últimos meses isolado na Pensilvânia, pintando, e diz que a pandemia proporcionou a ele ‘o melhor momento da vida’, já que, como todos os lugares estavam fechados, não precisava ir a nenhum canto.

Ele acha que o efeito da epidemia pode ser destruidor sobre a arte, dizendo acreditar que a pintura deve se tornar muito mais séria a partir de agora, refletindo o momento.

Questionado sobre o pleito americano do mês que vem, o artista responde com uma frase curta, às gargalhadas. ‘Bem, tive uma boa notícia hoje’. Poucas horas antes, Trump havia anunciado que estava infectado com o coronavírus.


MERCADO DE ARTE

Valor das obras

O trabalho de Alex Katz ainda é menos valorizado em relação a outros artistas de sua geração; o valor mais alto pago por uma obra sua foi cerca de US$ 4,1 milhões, ou R$ 22,8 milhões, ao passo em que o pioneiro da pop art, Jasper Johns, teve a pintura de uma bandeira vendida por US$ 36 milhões, ou cerca de R$ 200 milhões

Interesse recente

Um artigo de capa na revista suíça de art e Parket, em 1989, ajudou a reavivar o interesse pela obra de Katz, que ganharia diversas mostras na Europa e nos Estados Unidos nas décadas seguintes

Como se forma um pintor

Segundo Katz, pintar é uma atividade comunitária, e novos artistas se desenvolvem em contato com outros, não de maneira isolada, o que faz com que jovens se mudem para Nova York em busca de referências.

Cenário difícil

Muitos pintores voltam para suas cidades de origem, diz Katz, com os sonhos destruídos, pois não conseguem espaço em um mercado que se tornou corporativo e estagnado, dificultando bastante a entrada de jovens artistas

 

SOUP TO NUTS - THE SÃO PAULO BIENAL PROJECT

Quando Até 7 de novembro

Onde ropac.net/online_exhibitions

 

Homenagem a Utamaro, 2008

 


Fonte: João Perassolo   |  FSP


 

(JA, Out20)

 


 

domingo, 11 de outubro de 2020

Escola de Atenas

 Supor subversão de Rafael em pintura no Vaticano é indecoroso, avalia professor da USP. Para ele a interpretação de crítico de arte americano sobre 'Escola de Atenas' é exagerada

 

‘Escola de Atenas’, de Rafael Sanzio - Musei Vaticani 

Professor da USP contesta interpretação de crítico de arte americano, segundo a qual Rafael incluiu detalhe em seu célebre afresco no Vaticano para subverter a homenagem aos pensadores da antiguidade encomendada pelo papa, o que teria realçado na obra a efemeridade de todo poder. Embora interessante, essa conclusão desconsidera as características da produção artística do início do século 16, argumenta o texto abaixo.

Em um artigo recente, publicado na BBC Culture e intitulado ‘The School of Athens: A Detail Hidden in a Masterpiece’ (a escola de atenas: um detalhe escondido na obra-prima), Kelly Grovier, escritor, poeta, e crítico de arte norte-americano, propõe-nos uma nova interpretação sobre o mais famoso dos quatro painéis pintados por Rafael Sanzio para a Stanza della Segnatura, no Vaticano: o artista teria deixado ali um detalhe, com o propósito de subverter a principal mensagem do quadro.

A pintura ‘Escola de Atenas’ foi executada entre 1509 e 1510, atendendo a um pedido do papa Júlio 2º para redecorar o lugar.

Rafael tinha então apenas 26 anos. Grovier parte fundamentalmente de duas hipóteses para construir a sua nova interpretação desta obra, lembrando de início que Rafael deve ter se conscientizado da grande ‘aposta’ e dos imensos riscos de sua empresa.

A ‘Stanza della Segnatura’ (Sala da Assinatura) era o lugar onde os mais importantes documentos papais eram assinados, e o artista talvez tenha pensado na possibilidade do poder de aconselhamento de suas pinturas sobre os poderosos que se utilizavam daquele cômodo.

Para o crítico, o primeiro grande desafio de Rafael foi tornar reconhecíveis as figuras dos principais pensadores da antiguidade pagã (filósofos, geômetras, matemáticos e outros), uma vez que apenas pelas vestes de cada um, muito semelhantes entre si, as atribuições e os caracteres de cada personagem em cena não poderiam ser claramente expressos.

Diferentemente de Michelangelo, que um ano antes lidara com as figurações para a Capela Sistina, onde facilmente se pode reconhecer os personagens das histórias bíblicas, Rafael tinha ao seu alcance apenas meios insuficientes para compor figuras que correspondessem às expectativas dos futuros observadores da pintura: como representar Anaximandro, Sófocles, Antístenes, Boécio etc.? Como diferenciá-los?

Os dois personagens centrais do afresco, Platão e Aristóteles, trazem em suas mãos livros cujos títulos, legíveis para o espectador, embora discretamente pintados, nos mostram as obras ‘Timeu’ e a ‘Ética’, revelando, deste modo, por alusão, os seus autores. O problema, neste caso, está resolvido. Mas e todas as outras figuras? Como identificá-las?

 

Platão e Aristóteles em ‘Escola de Atenas’ 

Para Grovier, a solução inventada por Rafael foi compor ‘retratos’ híbridos, misturando os caracteres dos pensadores antigos com os de personagens modernos, e de figuras religiosas.

Assim, em seu Platão, unem-se as feições de Leonardo da Vinci (o seu perfil ligeiramente inclinado para a esquerda lembra o autorretrato do artista feito em sanguínea, atualmente pertencente à coleção da Biblioteca Real de Turim) com a do apóstolo são Tomé, presente na Última Ceia, pintada por Da Vinci entre 1495 e 1498.

Nas mãos de Rafael, Da Vinci, com seu espírito indômito de tudo duvidar e investigar, tornou-se Platão. Tal estratégia teria sido utilizada também para a composição do retrato de Pitágoras, que rabisca uma tabuinha, no primeiro plano, na parte inferior do painel. Ao seu lado, vemos uma figura a sussurrar algo em seus ouvidos, lembrando o anjo de são Mateus.

Para o crítico, todas as figuras ali presentes são mescladas a personagens reais, históricos e bíblicos. Ele acredita ainda que alguns dos principais artistas modernos desempenharam o papel de ‘dublês’ para os personagens a serem representados na pintura, emprestando não apenas suas aparências, mas também suas personalidades.

 

Pitágoras em ‘Escola de Atenas' 

A sua segunda hipótese se baseia num outro destes ‘retratos’, que foi acrescentado ao afresco, ao que tudo indica, algum tempo mais tarde: o do filósofo Heráclito. A sua figura não está presente no cartão preparatório feito por Rafael para a composição da pintura (atualmente na coleção da Pinacoteca Ambrosiana).

Trata-se, na hipótese de Grovier, de Michelangelo, também contemporâneo de Rafael e alguns anos mais velho. A sua inclusão na pintura, numa posição melancólica (a cabeça apoiada no braço esquerdo, apertando o ouvido, enquanto escreve com a direita de modo quase displicente ou desconcentrado) serviria como uma advertência aos usuários da Sala da Assinatura: Heráclito se tornou célebre pelos seus pensamentos sobre a superfluidade, e transitoriedade de tudo, sobre o devir, e como aquele que pregou que ‘não se pode percorrer duas vezes o mesmo rio’.

Instalada no primeiro plano e abaixo das figuras que dominam a parte central do afresco, Platão e Aristóteles, a figura de ‘Heráclito-Michelangelo’ seria assim um ‘símbolo subversivo’, propositadamente feito por Rafael para lembrar sobre a efemeridade do poder e dos poderosos, pois tudo muda o tempo todo.

O ‘detalhe’ a que se refere o subtítulo de seu artigo seria o pote de tinta ao lado, ao fundo da figura de Heráclito: ‘Remova o pote de tinta do epicentro do afresco de Rafael, e a obra se dissolve em um fiasco de formas confusas e que confundem’, diz ele.

 

Heráclito em ‘Escola de Atenas’
 

Trata-se de uma crítica interessante, porém a sua conclusão, muito embora de todo estranha ao campo de pensamento da idade de Rafael, é um exagero.

É necessário lembrar aos leitores e espectadores de hoje que, na época da produção do afresco, personagens reais, históricos e fictícios eram compostos de acordo com lugares-comuns, tópicas como se dizia, conhecidíssimas da audiência, como caracteres a serem louvados (ou vituperados).

Isso valia tanto para a composição de textos, poesias, histórias e cartas quanto para as obras artísticas, pinturas, esculturas, etc.

Esses ‘lugares-comuns’ eram comuns não só porque circulavam em muitos lugares, mas também porque podiam ser imitados e usados livremente para a composição de uma figuração, como no caso da pintura, verossímil para os espectadores.

Notícias sobre as ‘excentricidades’ de Michelangelo, assim como a respeito do caráter polissêmico ou investigativo de Leonardo já circulavam como ‘retratos’ não verdadeiros, mas louváveis e críveis, embora a primeira edição das ‘Vidas dos Artistas’, de Giorgio Vasari, livro em que estes personagens se tornaram mais conhecidos, tenha vindo a público apenas 40 anos depois da execução dos afrescos (1550 na primeira edição e 1568, na segunda).

Nesta obra se lê que ‘Rafael, ao chegar, foi calorosamente recebido pelo papa Júlio 2º, e começou na Sala da Assinatura uma cena em que os teólogos conciliam a filosofia e a astrologia com a teologia, na qual são retratados todos os sábios do mundo, tudo adornado por figuras, entre as quais alguns astrólogos, a gravarem caracteres de geomancia e astrologia em tábuas, que enviam aos evangelistas.

Entre eles há um Diógenes com sua taça recostado na escada, figura reflexiva e absorta, digna de louvores pela beleza e pelas vestes. Semelhantes a este, veem-se Aristóteles e Platão, um com o Timeu nas mãos, o outro com a Ética, ambos rodeados por uma grande escola de filósofos. (...) Entre estes se vê um jovem de formosa beleza, com os braços abertos de admiração e a cabeça inclinada; trata-se do retrato de Frederico 2º, duque de Mântua, que então estava em Roma. (...) Também há uma figura agachada, a girar um compasso sobre as tábuas; dizem que se trata do arquiteto Bramante, e que não se pareceria mais com ele se estivesse vivo, tão bem retratado está’.

Não é preciso recorrer à hipótese de ‘retratos híbridos’ feitos por Rafael para interpretar aquelas figuras. A reunião de retratos de príncipes ou homens ilustres de sua época com os de indivíduos antigos, tornaria a pintura mais encarecida, além de produzir uma forma de elogio aos modernos.

Num outro trecho deste mesmo livro (sobre o outro afresco que figura os poetas em Parnaso), Vasari diz: ‘Há ali retratos de todos os mais famosos poetas antigos e modernos, dos que tinham vivido e dos que viviam até o seu tempo: alguns reproduzidos a partir de estátuas, alguns de medalhas, muitos de pinturas antigas, enquanto outros, ainda vivos, foram retratados do natural por ele mesmo’.

Mesmo quando não há uma concordância plena com Vasari, parece não ter sido problema no passado a compreensão geral do afresco como uma alegoria, dentro da qual são rendidas homenagens a diversas figuras consideradas importantes para o círculo de Júlio 2º.

Portanto, seria impensado e indecoroso embutir qualquer mensagem subversiva ali, ou mesmo supor qualquer teoria conspiratória instrumentalizada pela pintura.

Roger de Piles, artista e erudito francês, que escreveu no século 17 uma ‘Descrição da Escola de Atenas, para servir de exemplo ao tratado de invenção’, refuta que a pintura trate da ‘concordância da filosofia e da astrologia com a teologia’, como propôs Vasari.

De Piles nos lembra que as mensagens transmitidas pelas pinturas feitas para as quatro câmaras estão inscritas nelas mesmas: a primeira representa a teologia com as palavras Scientia Divinarum Rerum; a segunda, a filosofia (‘Escola de Atenas’) com as palavras Causarum cognotio; a terceira, a jurisprudência com as palavras Jus suum unicuique tribuens; a quarta, a poesia (o Parnaso) com as palavras Numine afflatur.

Rafael, diz ele, ‘que queria representar essa ciência por meio de uma assembleia de filósofos, não pode fazê-lo reunindo apenas aqueles de um século. Não é uma história simples que o pintor quis representar: é uma alegoria em que a diversidade das épocas e dos países não impede a unidade dos assuntos’.

Outrora, era também comum que artistas recebessem alcunhas ou apelidos que denotavam algum traço de seu caráter, ou alguma parte distintiva na sua maneira de execução ao pintar, ao esculpir etc.

 

Autorretrato atribuído a Rafael, datado do começo do século 16
 

Por exemplo, Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho, ou Francisco José de Goya y Lucientes, o Turbulento. Nunca existiu, contudo, um Rafael, o Rebelde. Muito pelo contrário. Diversos discursos antigos o representaram como alguém muito disciplinado, cortês, afável e pacificador (Leão 10º, que sucedeu a Júlio 2º, pensou em nomeá-lo cardeal) e que inclusive, segundo Vasari, morreu ‘por excesso de amor’.

Finalmente, não há qualquer menção nos dois autores aqui citados sobre Leonardo da Vinci ter servido para o papel de Platão, ou de Michelangelo para o de Heráclito, o que não impossibilitaria, dentro das preceptivas seguidas por Rafael em seu tempo, de se pensar na possibilidade desses retratos terem sido compostos com base em suas fisionomias, como homenagens a duas das principais emulações do jovem Rafael no campo da arte da pintura. Só não dá para reduzir toda essa história à representação de um único pote de tinta.

 

Madonna Sistina, detalhe Putti (querubins) 

 

Fonte: Luiz Armando Bagolin, Professor da USP e ex-diretor da Biblioteca Mário de Andrade    |  FSP

 

 

(JA, Out20)