I. Paul Gauguin
Eugène-Henri-Paul Gauguin foi um
pintor francês cujo trabalho, junto com Van Gogh e Paul Cézanne, se
caracterizou como pós-impressionismo. Gauguin nasceu em Paris, 7 de junho de 1848 e faleceu nas
Ilhas Marquesas em 8 de maio de 1903.
Apesar de ter nascido em Paris,
Gauguin se mudou com três anos para Lima, Peru, onde viveu até os sete anos.
Seu Pai era um jornalista republicano, e sua mãe, Aline Chazal, era descendente
de espanhóis, proprietários de terras na
América do Sul.
Com a chegada de Napoleão III ao poder, e com medo da perseguição, a família
embarcou, em 1851, com destino ao Peru, onde seu pai
pretendia trabalhar. Entretanto, durante a terrível viagem de navio, o pai teve
complicações de saúde, e faleceu. Assim, o futuro pintor desembarcou em Lima,
apenas com sua mãe e irmã.
Quando voltou para seu país natal, em
1855, Gauguin estudou em Orléans e, aos 17 anos, ingressou na marinha mercante, e correu o mundo.
Trabalhou em seguida numa corretora de valores parisiense e, em 1873, casou-se
com a dinamarquesa Mette Sophie Gad, com quem teve cinco filhos.
II. Vida Adulta e início de carreira
Aos 25 anos, após a quebra da Bolsa de Paris, tomou a decisão mais importante
de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura.
Começou, assim, uma vida de viagens e
boemia, que resultou numa produção artística singular e determinante das
vanguardas do século 20.
Ao contrário de muitos pintores, não
se incorporou ao movimento impressionista da época. Expôs, pela primeira vez,
em 1876. Mas não seria uma vida fácil, tendo
atravessado dificuldades econômicas, problemas conjugais, privações, e doenças.
III. Camile Pissarro e os impressionistas, 1884 - 1886
De janeiro a novembro de 1884, mudou-se para Rouen, onde Camille Pissarro, que o
havia guiado na sua abordagem ao Impressionismo, também vivia. Durante esses 10 meses em Rouen, ele produziu cerca de quarenta pinturas,
principalmente vistas sobre a cidade e seus arredores.
Isso não era o suficiente para viver,
e ele se mudou com sua esposa e filhos para casa dos parentes dela em
Copenhagen.
A convivência com os sogros não funcionou. Seu negócio não
foi bem.
Então, em 1885, ele retornou a Paris
para pintar em tempo integral, deixando sua esposa e filhos da Dinamarca e, sem
meios de lhes sustentar, sentia-se dilacerado por isso. Ele participou, entre 1879-1886, das últimos cinco exposições do
Grupo de impressionistas.
IV. Cloisonnisme / simbolismo /sintetismo - Pont Aven, 1886
Em 1886 , a conselho de Armand Marie Felix Jobbé Duval, Gauguin fez sua primeira
estada em Pont-Aven, na Bretanha, onde se encontrou com Émile Bernard, defensor
do Cloisonnisme. De volta a Paris, em novembro do mesmo ano, ele conheceu pela primeira vez
Vincent van Gogh.
Em abril de 1887, ele partiu com o pintor Charles Laval para o Panamá
, onde eles foram trabalhar na perfuração do canal . Eles enfrentaram condições
de vida particularmente difíceis, e decidiram sair, uma vez que tinham dinheiro
suficiente para ir a Martinica, lugar que Gauguin tinha descoberto quando era
um marinheiro.
Ele permaneceu na Martinica, em Anse Turim Carbet, a dois quilómetros de São Pedro, em condições precárias, de junho a outubro 1887. Lá, existe hoje, um museu dedicado a Gauguin. Excitado pela luz e pelas paisagens, pintou doze pinturas durante sua estadia. Lá, ele teve uma filha natural.
As ceifeiras, Emile Bernard, 1888, Met New York
Cloisonnisme
O cloisonnisme é um estilo da pintura
pós-impressionista, caracterizado por cores lisas, delimitadas por contornos
escuros. O termo foi utilizado pelo crítico Édouard Dujardin por ocasião do
Salão dos Independentes, em Março de 1888.
Os artistas Émile Bernard, Louis
Anquetin, Paul Gauguin, Paul Sérusier, e outros, começaram a pintar com este
estilo no final do século 19.
O nome remete para a técnica de
cloisonné, onde arames (cloisons
ou ‘compartimentos’) são
soldados ao corpo da peça, enchidos com pó de vidro e, em seguida, colocados no
meio de chamas - a altas temperaturas, numa técnica semelhante à do vitral.
Muitos daqueles pintores descrevem os seus trabalhos como sintetismo, um
movimento com algumas semelhanças.
V. Episódio de Arles, 1888
Gauguin reuniu-se a Vincent van Gogh,
que o havia convidado para vir para
Arles, no sul da França, em 1888, graças ao
irmão deste, Theodorus van Gogh (negociante de arte).
Gauguin que estava na Bretanha, e se
julgava um bandido em uma sociedade que o impedia de renovar o impressionismo,
pintou um autorretrato, com Émile Bernard ao fundo, que intitulou de ‘Os
Miseráveis’. Antes de se reunir a Van Gogh, ele enviou esse quadro de presente
para o pintor, onde escreveu: ‘Então, aqui vai a minha imagem pessoal, mas também um retrato de todos nós, pobres
vítimas dessa sociedade, de quem nos vingamos fazendo o bem’.
Reunidos por um interesse comum na
cor, os dois pintores entraram em conflito pessoal e artístico. Van Gogh não
gostou quando Gauguin pintou o quadro ‘Van Gogh pintando girassóis’, o qual ele
se vê e exclama: ‘Este sou eu, mas louco’. A coabitação deteriorou-se, e
terminou no famoso episódio da orelha cortada de Van Gogh, em 23 de dezembro de 1888.
VI. Sintetismo em Pont-Aven, 1888 - 1890
De retorno à França, ele vive em
Paris, antes de partir, no começo de 1888, para a Bretanha, onde ele é o centro
de um grupo de pintores experimentais conhecidos como a escola de Pont-Aven. Em
uma carta de 1888 escrita à Emile Schuffenecker, Paul Gauguin exprime seu credo
que será o cerne das crenças artísticas que se seguirão.
‘Um conselho, não copie muito da
natureza, a arte é uma abstração, pegue da natureza, sonhando antes e pensando
mais na criação do que no resultado.
Esta é a única maneira de subir a Deus, fazendo como nosso Mestre
Divino, criando’.
Sob a influência do pintor Émile
Bernard , seu estilo evolui, torna-se mais natural e sintético. Ele encontra
inspiração na arte exótica, vitrais medievais e gravuras japonesas. Naquele ano
ele pintou A Visão depois do Sermão, que irá influenciar Pablo Picasso, Henri
Matisse e Edvard Munch.
Escola de Pont-Aven
Os trabalhos são caracterizados pelo
uso marcante de cores puras e uma temática simbolista: o uso livre da cor (pode pintar a grama de vermelha se quiser), o que se aplica em grandes manchas
e cores especiais. Eles usam cloisonnism. O resultado é, geralmente, uma obra
de arte altamente decorativa. Existe uma vontade de sintetizar as formas:
síntese entre o estilo impressionista e simbolista - por isso podem ser
considerados simbolistas, pelo seu espírito.
Paul Gauguin acabou se tornando um dos expoentes da escola de Pont-Aven e, reunindo vários artistas em torno dele. Ele ficou nessa região no períodos 1886, 1888 -1890, e 1894.
VII. Vida na Polinésia, 1891 - 1902
Em 1891, arruinado, Gauguin mora uns tempos em Paris, e depois, inspirado pela
obra de Jacques-Antoine Moerenhout, ele embarca para a Polinésia, graças à venda
de uma de suas obras que tinha recebido dois artigos entusiasmados de Octave
Mirbeau.
Ele se instalou em Taiti onde ele
esperava poder fugir da civilização ocidental, e tudo que seria artificial e
convencional. Ele passa toda a sua vida em regiões tropicais, primeiro Taiti e
depois a ilha de Hiva Ao, no arquipélago de Marquises. Ela volta a cidade
somente uma vez.
As características essenciais de sua
pintura (que são a
utilização de grandes superfícies de cores vivas) não mudam muito. Ele presta atenção especial na
expressividade das cores, na procura da perspectiva correta, e na utilização de
formas sólidas e volumosas.
Ele faz também algumas esculturas em madeira,
mas sobretudo pinta seus mais belos quadros nessa fase.
Duas Mulheres do Taiti
‘Como combinar forma sólida e padrão
plano? - isso parece o problema que os pós-impressionistas costumavam se
colocar. Nestas pinturas, Gauguin, que frequentemente usa a composição do friso
fluente para esse mesmo fim, juntou a solidez e a superfície por outros meios.
A visão de cima encurta as figuras e
elimina o horizonte, trazendo assim o plano de fundo. As próprias figuras,
perto dos olhos, criam um padrão de formas curvas que contrasta com as linhas
retas e simples da costa além. Sendo tão perto, preenchendo tanto da área,
ambos estão na superfície, e em profundidade, ambos planos e modelados.
A fusão dos dois é especialmente clara na mulher à esquerda, cujo perfil e braço fazem um contorno vertical contínuo, pois a perna e a saia estendidas fazem uma horizontal, ambas também funcionando como diagonais recuadas, enquanto ao mesmo tempo o pé equilibra a Mão próxima no canto. Assim, as grandes áreas de cores, unidas por grandes contornos que, por sobreposição, criam um padrão abstrato, também são usados para modelar e dar peso aos corpos’.
Em 1891 Gauguin pintou ‘Duas mulheres do Taiti na praia’ que está no Museu
d'Orsay. Um pouco depois, em 1892 ele pintou um segundo quadro ‘Duas mulheres
do Tahiti’, trocando apenas a figura da moça da direita. Esse quadro está
exposto em Dresden.
Mulher com uma Flor
‘Melancólica e sensual, esta bela
polinésia toca o espectador pela vibração de suas cores vivas e pelos contornos
intensos. Embora a pose seja tradicional, o artista evitou as regras usuais da
arte ocidental.
As formas são simples, as cores são
chocantes, e não há profundidade de perspectiva.
Em seu livro ‘Noa Noa’, sobre sua
vida naquele lugar, escreveu: ‘Fugi de tudo o que é artificial e convencional.
Aqui penetro na Verdade, integro-me na natureza’.
O terreno da frente e do meio estão
construídos em áreas de verde, amarelo e azul. Uma moça tradicionalmente
vestida, estabelece o limite entre a parte da frente e de trás. A flor branca
atrás de sua orelha esquerda indica que ela procura um marido. Atrás dela, uma
segunda figura está vestida em estilo ocidental cobrindo até o pescoço
representando uma ameaça ou aviso.
A historiadora de arte Nancy Mowll Mathews escreveu que Gauguin ‘retratava os nativos [tahitianos] como vivendo apenas para cantar e fazer amor. Foi assim que ganhou dinheiro com seus amigos, e aumentou o interesse do público na sua aventura. Mas, é claro, ele sabia que na verdade, o Taiti era uma ilha, com uma comunidade internacional, ocidentalizada'.
Em fevereiro de 2015, a pintura Nafea
Faa Ipoipo, que pertencia ao
colecionador suíço Rudolf Stechelin, foi adquirida pela Autoridade de Museus do
Qatar por 300 milhões de dólares estadunidenses (263 milhões de euros), e converteu-se assim na obra de
arte mais cara da história.
Why are you Angry?
‘A estrutura e o ritmo de composição
das pinturas de Gauguin tendem em duas direções. Por um lado, ele emprega a
curva de fluido, reforçando as linhas de figuras dobradas, com áreas de fundo
com contornos contínuos semelhantes. Por outro lado, ele usa uma forma
semelhante a um friso, construída em torno de horizontes rítmicos e verticais.
Nesta imagem estão as verticais
repetidas das casas, das árvores e das figuras, Dando origem a linhas tão
relacionadas que levam o olho através da tela, dando-lhe amplitude. E também
estão as horizontais, que começam na parte inferior direita, e retém a
distância. Os pés, o olhar, toda a pose da figura do primeiro plano, os
remendos verdes na terra vermelha, a superfície amarela da parede da casa, e a
casa menor à distância, estabelecem planos, a intervalos que medem um espaço
profundo.
Ao contrário de muitas pinturas de Gauguin, onde o espaço é negado, ou apenas sugerido, essa imagem, com seu contraste de sólido e vazio, a apresentação consciente de um continuo espacial, que liga e separa os elementos dentro dele, é uma concepção clássica de que ambos, Paul Cezanne e Seurat, teriam entendido.
Why are you angry ?, 1892, Art Institute of Chicago VIII. Últimos tempos de Gauguin - Ilha de Iva Oa,
Marquises
Durante a sua vida, Gauguin admirou
Degas, como ele próprio escreveu, em janeiro e fevereiro de 1903 (apenas alguns meses após a execução
desta imagem).
Nesse mesmo manuscrito, Gauguin
também escreveu: ‘Estude a silhueta de cada objeto, a distinção do esboço é o
atributo da mão que não está enfraquecida por qualquer hesitação da vontade’.
Foi, de fato, por tal incisividade de visão (bem como de sagacidade e vontade tão própria) que ele admirava Degas.
Esta imagem, pintada naquela margem
de Atuana, que ele podia ver de sua última casa nativa, parece criada a partir
de uma reminiscência das pinturas de Degas, e exemplifica o poder que Gauguin
manteve até o fim. Pois, embora sua configuração seja tão diferente das
elegantes cenas de Degas na trilha de ‘Longchamps’, por exemplo, seu espaço, o
isolamento das figuras, a sua clareza de contorno - que faz de cada cavalo uma
forma fechada, e a sensação de intervalo rítmico, tudo é semelhante.
‘Eu desejei estabelecer o direito de
ousar qualquer coisa...’.
’O público não me deve nada, uma vez que minha conquista na pintura é apenas relativamente boa, mas os pintores - que hoje lucram com essa liberdade – eles sim me devem algo’.
‘Gauguin morreu em 8 de maio de 1903, em sua
residência. Ele tinha dado a seu lar o nome de ‘Casa de Contentamento’, e
mandara entalhar acima da porta as frases: ‘Seja misterioso’ e ‘Ame e será
feliz’. Era o seu adeus ao mundo’.
IX. Influência na pintura de Gauguin, e os
desenvolvimentos a partir dela.
Quando Paul Gauguin encontrou Emile
Bernard, em Pont-Aven pela primeira vez, ele já tinha 42 anos, e Bernard somente 18
anos.
Bernard já tinha criado a técnica
nova: le cloisonisme. Os pintores da academia Julian (Denis, Serusier, Scuffenecker,
Laval) se inspiraram
ainda no grupo dos Nabis.
Emile Bernard é visto como o fundador
da escola de Pont-Aven.
Gauguin conservou antes de sua
partida para o Taiti uma relação amigável com ele e sua irmã Madeleine.
Gauguin seguiu as experiências de
Emile sobre a cor, e a função da luz e da sombra. O conjunto de sua obra
influenciou a evolução da pintura da época, notadamente o fauvismo do século 20.
Referências: História das Artes | WP | Valiletaratura |
(JA, Ago20)
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